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lunes, 30 de mayo de 2016

CORAZÓN GIGANTE "más allá del prejuicio"

Hace ya un par de semanas que se estrenó en cines, y no podíamos pasar la ocasión de hablar de "Corazón Gigante" de Dagur Kári. La película ha pasado por varios festivales donde ha recibido un gran recibimiento, entre los premios conseguidos están el de Mejor Actor (Gunnar Jónsson) en la pasada edición de la Seminci o el de Mejor Película en el Festival de Tribeca.

Fúsi (Gunnar Jónsson) es un cuarentón obeso que no ha conseguido romper los lazos con su madre, con la que vive, además de llevar una vida monótona y tener un trabajo aburrido. Sin embargo, tras todo ese aparente sufrimiento se esconde una persona que no para de ayudar silenciosamente al prójimo sin recibir nada a cambio. Su vida dará un giro insospechado cuando conozca a una misteriosa mujer que le hará creer otra vez que segundas oportunidades son posibles.

Directa desde Islandia nos llega la quinta película de Dagur Kári, que está siendo estrenada y "arrasando" en medio mundo con esta historia de un solitario y entrañable pequeño hombretón. Pequeño en el sentido de cómo el personaje se siente por dentro, lo que él cree que es, porque esta película nos habla de prejuicios, primeras impresiones, pero también nos habla de algo tan sencillo como a la vez de complicado como el amor. El amor entendido no sólo de manera romántica, el amor en el gran sentido de la palabra, herramienta que mueve el mundo y la vida de este hombre maduro que a su edad no ha conseguido emanciparse y llevar una vida "normal".

Y, ¿qué es la normalidad? "Corazón Gigante" despeja cuestiones como estas, porque a pesar de que deberíamos acongojarnos al poder vernos retratados en el protagonista, un cuarentón pasado de kilos que vive con su madre en una vida rutinaria y monótona. Pero, la mirada de Dagur Kári, falta de prejuicios y llena de luminosidad, nos demuestra que nuestro personaje vive feliz en esa aparente pequeña existencia, porque lo que lo hace grande no es sólo su tamaño, sino la capacidad de ayuda y generosidad que desprende por los cuatro costados, ayudando sin pedir nada a cambio, recibiendo mazazos sin buscar el enfrentamiento.





"Corazón Gigante" es una de esas películas que parecen pequeñas desde lejos, pero cuando uno sale de su proyección se da cuenta que es de las que nos hacen creer en el ser humano. Lo consigue a través de un personaje de los que echamos en falta en infinidad de películas, bien escrito, genialmente dirigido, mejor interpretado si cabe. Dagur Kári ha conseguido representar a la figura que ejemplariza a la perfección la tesis de "dar la otra mejilla", llevada al extremo, porque hay situaciones en las que nos gustaría saltar a la pantalla y echarle una mano a nuestro protagonista. A pesar de las mil y una-aunque no son tantas-situaciones humillantes o desastrosas por las que hace caminar al personaje que da nombre en el título original de la película, nunca la mirada de Kári se muestra maniquea, falta de verdad o impostada. A través de su inteligente dirección de fotografía conseguimos tomar la distancia suficiente entre espectador y protagonista como para que tengamos a veces la sensación de estar espiando a alguien real, la frialdad de algunas de sus situaciones no hacen más que crear veracidad, alejándose del punto de vista sensiblero y lacrimógeno.

Estamos ante una película diferente, que sólo le pide un poco de paciencia al espectador para que cuando su planteamiento quede bien asentado uno no pueda separar la mirada de la pantalla, deseando saber de esta manera los derroteros por los que se va a desarrollar la historia de uno de los personajes mejor escritos del cine actual, que el magnífico Gunnar Jónsson ha conseguido imprimir el patetismo y ternura suficiente como para que cualquiera se lo quiera llevar a casa. A través de este personaje Dagur Kári diseccione temas muy actuales de cualquier sociedad, no sólo la islandesa, obteniendo un resultado muy interesante en el que trata temas como la soledad, la sobreprotección paternalista, la deshumanización de las relaciones personales e incluso pasa de cerca por algún asunto tan espinoso como el acoso laboral o el abuso a menores.

+ Su total falta de contemplación.
- Alguna situación resuelta con excesiva rapidez.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  * y 1/2



domingo, 29 de mayo de 2016

EL HOMBRE QUE QUISO SER SEGUNDO "los primeros misterios del cine"

Tras un estreno técnico en 2015, por fin se estrena en nuestros cines "El Hombre que quiso ser Segundo", documental de ficción sobre una de las figuras más misteriosas, relevantes y a la vez olvidadas de la historia del cine: Segundo de Chomón.

Este documental sigue los pasos de Segundo de Chomón y la peculiar relación que tuvo con su gemelo Primo. Segundo fue uno de los pioneros del cine, creador de importantes trucajes, precursos del cine de animación y figura relevante que estuvo casi a la altura de otros como Méliès o Pastrone. Pero, ¿por qué no ha pasado a la historia como estos? ¿Qué lugar tuvo en ello su misterioso hermano Primo?

El arte, la literatura o el cine han sentido una atracción por escudriñar las relaciones fraternales, los lazos que entre hermanos se pueden establecer y cómo éstos pueden influenciar en la vida de cada uno, siendo de mayor interés cuando los hermanos son gemelos o mellizos. Investigar las dos caras de la moneda, descifrar los secretos códigos que se establecen entre aquellas personas que nacieron el mismo día y de la misma madre.

Ramón Alós se lanza de lleno sobre estas cuestiones con uno de los personajes más importantes de la historia del cine, Segundo de Chomón, que sin embargo no ha logrado el suficiente reconocimiento en el mundo del cine. Este documental sigue los pasos de uno de los creadores y mayores innovadores en los albores del cine, pero poniendo la mirada en el enigma de Primo de Chomón, el gemelo mayor.

"El Hombre que quiso ser Segundo" es una película emocionante, un perfecto y cuidado retrato de una época, que muestra el interés y el amor de unos cientos de personas en la creación y desarrollo del séptimo arte. A través del retrato de Segundo de Chomón, nos muestra a varias de esas personas relevantes de la época que se cruzaron en la vida del aragonés como Georges Méliès, los hermanos Pathé o Giovanni Pastrone, personajes que sí han pasado a la historia del cine, sin embargo, estos precisaron del trabajo de Chomón para conseguir sus resultados.





Este extraño documental de ficción es todo un canto de amor al cine, poniendo una entrañable mirada a esos tiempos ingenuos. A través de extractos de obras de esa época, cualquier amante y curioso del cine podrá (re)descubrir las bases de los que el llamado séptimo arte es hoy en día. Trucos visuales, inventos de fotografía y pequeñas grandes innovaciones son las que descubrimos en la película de Ramón Alós, a la vez que investiga la misteriosa figura del hermano que siempre condicionó la vida y obra de Segundo de Chomón.

Uno de los puntos fuertes de esta película es el halo de misterio que su director le imprime a la historia, como si estuviera tratando del mayor enigma de la historia del cine. ¿Quién fue realmente Segundo? ¿Existió su hermano gemelo Primo? ¿Por qué uno de los creadores más imaginativos del cine nunca llegó a poder realizar las obras a las que estaba destinado? Todas estas cuestiones son las que trata la película, que comienzan a multiplicarse en un momento en el que la historia tomar incluso ciertos tintes de suspense, rodeados siempre de un aroma de amor al cine.

Puede que no todos los elementos utilizados estén al mismo nivel narrativo: la dramatización histórica funciona, el falso documental de la investigación también, aunque su tramo final técnicamente decaiga y le reste algo de credibilidad. Sin embargo, sus pequeños fallos no impiden disfrutar de uno de los debut más sorprendentes del cine español, una de las películas españolas más interesantes del año, un documental que ningún amante del cine debería perderse que supone un más que arriesgado trabajo que se sirve de muchos elementos para contarnos la historia más grande jamás contada: el nacimiento del cine.

+ El romanticismo que imprime a sus imágenes.
- Alguna dramatización de Enrico Vecchi en su tercio final.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  * y 1/2




jueves, 26 de mayo de 2016

EL PAÍS DEL MIEDO "de riesgos y decepciones"

Tras mucho retraso desde su rodaje y haberse presentado el año pasado en el Festival de Málaga, llega a nuestros cines esta película sobre el bullying y el miedo que consiguió una nominación en los Goya a la Mejor Canción.

Un padre (Jose Luis García-Pérez) ve cómo su hijo está sufriendo bullying por parte de una niña de su colegio. En vez de afrontar la situación decide encubrir a su hijo de cara a su madre, haciendo que se convierta el propio padre en una nueva víctima de la acosadora.

El cine se conforma de sensaciones, emociones y sentimientos que nos hacen reaccionar, tanto a primera vista como a lo largo del tiempo. Cuando uno ve una película siempre saldrá con una reacción que el tiempo puede cambiar, para bien o para mal. Aquella película que tanto nos gustó en una primera instancia y luego fue perdiendo fuelle como si por culpa del viento se fueran desvaneciendo los buenos recuerdos. O por el contrario, ese film que tan poco nos gustó y que tras una meditación pausada nos lleva a pensar que quizás era mejor de los que sentimos en aquel primer momento. 

Y, ¿por qué comenzamos con esta reflexión? Sencillamente, hace más de un año que asistimos al pase de "El País del Miedo" en el Festival de Málaga, y no nos gustó. Sin embargo, tras haberla comentado, reflexionado y haberle dado el tiempo necesario para ver si borrábamos de nuestra mente ese primer recuerdo, no podemos decir más que no ha sucedido. Nuestro recuerdo no se ha dulcificado, tampoco empeorado, tan sólo seguimos manteniendo que el debut de Francisco Espada no es más que una película fallida, con un buen planteamiento y una historia que podía prometer. Sin embargo, el excesivo temor a profundizar o el lastre de su superficialidad no han contribuido para que nuestro recuerdo mejore.

Como antes señalábamos, "El País del Miedo" parte de una premisa interesante: un padre que se acaba convirtiendo en la víctima de quien acosa a su propio hijo. Con este material Francisco Espada podría haber investigado, haberse adentrado en la mente tanto de los acosadores como de sus víctimas, haber ahondado en las verdaderas causas del miedo, de lo que presumiblemente habla la película. Sin embargo, su guión forzado, sus diálogos caricaturescos y las situaciones inverosímiles no contribuyen a sentir esa veracidad que necesitaban sus personajes.





Unos personajes que viven en el miedo, que no salen de su área de confort, que no se atreven a dar la cara a esos miedos que no hacen más que encerrarlos en una vida confortable, pero aburrida. Francisco Espada no ha sabido imprimirle la personalidad necesaria a los protagonistas, tampoco al conjunto de la película, que no pasa más allá de un look televisivo que poco le favorece, con una sensación de estar siempre viendo algo estático.

A pesar de todo, "El País del Miedo" es una película que se podrá ver con facilidad, tampoco ofende, en la que además podemos encontrar una gran interpretación del siempre magnífico José Luis García-Pérez que defiende su personaje y resulta sobresaliente en todo momento. Por lo demás, no podemos decir más que el tiempo no será capaz de borrar esa sensación de decepción con la que salimos del pase de prensa hace ya más de un año en el Festival de Málaga.

+ José Luis García-Pérez.
- Su falta de riesgo y de verdad.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *


martes, 24 de mayo de 2016

MÁS ALLÁ DE LAS MONTAÑAS "el rastro del olvido"

Presentada en el pasado Festival de Cannes y en la Sección Perlas de San Sebastián, donde obtuvo el Premio del Público a la Mejor Película Europea, ahora se estrena en nuestros cines la última película de Jia Zhang Ke, director de "Un Toque de Violencia".

En la China de 1999, Tao (Tao Zhao) se siente atraída por dos amigos de la infancia, uno con un futuro prometedor en los negocios y otro que es un trabajador de una mina. Deberá decidir sobre qué camino continuar, decisión que marcará el destino tanto de los tres amigos como del hijo de Tao.

El paso del tiempo entendido como ese preciso instante en que una historia puede derivar en tantas otras, este es el punto de partida de la nueva película de Jia Zhang Ke. Algo tan inocente y natural como la amistad de tres chavales puede esconder la clave que su director parece estar buscando. ¿Cómo puede derivar esta historia cuando la protagonista decide irse con uno de los dos amigos? ¿Qué consecuencias pueden acarrear los actos de cada uno?

Estas y otras muchas preguntas son las que Jia Zhang Ke se cuestiona en este melodrama sobre la soledad, la incomunicación y el amor. Dividida en tres actos, la película va avanzando en el tiempo y mostrándonos a sus personajes a través del retrato de una China de finales del siglo veinte hasta una futurista Australia donde se refugia en cuerpo y alma de uno de sus protagonistas. A pesar de lo que aparentemente pudiera parecer, esta no es una película que giro exactamente en torno a los tres iniciales protagonistas. "Más Allá de las Montañas" tiene la capacidad de agarrar y soltar de la mano a sus personajes, mostrándolos en un primer plano emocional, para convertirlos más tarde en meros juguetes del destino, actores secundarios de sus propias vidas, siendo sus actos y sus respectivas consecuencias los verdaderos protagonistas de estas.

Sin profundizar en exceso, Jia Zhang Ke nos sumerge en una China que va adoptando poco a poco los ideales del capitalismo, sin querer ofrecer un retrato exacto ni tampoco una lección, nos muestra unos personajes que viven los cambios de una sociedad a la vez que ellos mismos van experimentando los suyos propios. Porque si de algo ofrece "Más Allá de las Montañas" es un retrato honesto y sincero sobre los sentimientos de las personas y los sacrificios que se pueden llegar a hacer por otras. A través de una mirada dulce y colorista, sin caer en la desesperación, Jia Zhang Ke se acerca a la que sea probablemente una de las mejores películas de su carrera. 




Apoyándose en un guión bien estructurado y con unos diálgos delicados, Jia Zhang Ke ha conseguido una obra de extrema belleza que se refleja tanto en sus hermosas imágenes, excelentemente fotografiadas por su habitual colaborador Yu Lik-Wai, como en el mensaje que transmite que será capaz de remover algo dentro del espectador. "Más Allá de las Montañas" sea posiblemente una de las películas más delicadas, honestas y hermosas que uno pueda ver este año, la obra de consagración de uno de los directores orientales más interesantes del panorama actual. Una película narrada con mucho talento e imaginación, que apela a los sentimientos y es capaz de hacer reflexionar al espectador sobre la incomunicación emocional de las personas y la esperanza de recordar.

+ La sutileza con la que aborda los personajes.
- Su tercer acto habrá a quien le desconcierte.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  *  *



jueves, 19 de mayo de 2016

EL REY TUERTO "las fisuras del sistema"

Este viernes se estrena en cines "El Rey Tuerto", adaptación de la obra de teatro "El Rei Borni" que se presentó en el pasado Festival de Málaga, donde fue una de las películas con mayor recibimiento por parte de la prensa y el público, a pesar de que finalmente no recibió ninguna mención en el Palmarés.

Una noche cualquiera cualquiera dos amigas de la infancia se reencuentran, allí presentarán a sus respectivos novios. Ignacio (Miki Esparbé) documentalista comprometido que suele acudir a manifestaciones y David (Alain Hernández) un policía antidisturbios se enfrentarán cara a cara cuando descubran que fue este último que hizo perder un ojo a Ignacio con una pelota de goma.

El mismo equipo que creó y durante años representó esta sátira sobre la crisis actual y sus consecuencias morales, da el salto al cine para hacer uso de las posibilidades de este medio y llegar a un número mayor de espectadores posible. Sin alejarse en exceso de las cuatro paredes en las que se sitúa la acción de la obra, ahora la película, Marc Crehuet nos invita a encerrarnos con estos cuatro personajes que perfectamente podría representar dos posiciones opuestas de nuestra sociedad, opiniones enfrentadas y, supuestamente, obligadas a no entenderse.

Como los buenos narradores de historias, Crehuet coge todas las herramientas a su disposición para llegar a la mente de los espectadores, se muestra inteligente y sutil en su planteamiento, consigue engancharte a través de una magistral presentación de personajes, donde un humor más cercano a la comedia negra hace que se despierte tu interés por momentos. Uno puede saber a lo que va con "El Rey Tuerto", pero su director no muestra sus cartas a la primera de cambio, sino que es capaz de seducir hábilmente al espectador despertando la risa, hasta que llega un momento que se deja de contemplaciones y se lanza de lleno sobre lo que verdaderamente importa. Es en ese momento, ese giro de los acontecimientos, en el que la tensión se multiplica por momentos, dejando en shock al espectador en un análisis soberbio de lo que han supuesto en los ciudadanos las consecuencias de la crisis económica.



                        RUEDA DE PRENSA FESTIVAL MÁLAGA

Marc Crehuet nos presenta a cuatro personajes cuyos discursos chocan; personas que creen poseer la razón y la solución de los problemas de una manzana tan podrida como la sociedad actual. A través del enfrentamiento entre un manifestante de ideología de izquierdas y un policía antidisturbios, Crehuet analiza las grietas del sistema, un sistema corrompido que nos ha dejado a la intemperie para que nos matemos los unos a los otros, nos odiemos, lo que en el fondo deriva la atención de lo que los poderosos quieren: obtener más y más poder, a la vez que su enriquecimiento económico.





Posiblemente la posición del director y de la mayoría de los espectadores se acerque a la del personaje interpretado por Miki Esparbé, el damnificado en una protesta, pero el gran poder de "El Rey Tuerto" es su capacidad de repartir leña tanto a unos como otros. Su hábil guión, sus diálogos inteligentes o un ácido y corrosible humor convierten a "El Rey Tuerto" en un digno y gran análisis de posicionamientos ideológicos. Ni los buenos son tan buenos, pudiendo ser partícipes de aquello que tanto critican, ni los malos son tan malos. Y entre todo este lío de buenos y malos se sitúan cuatro actores que parecen haber nacido para su personaje, siendo capaces de aportar con pequeños gestos o miradas los suficiente mensajes para que el espectador esté constantemente pensando. Si las chicas están magníficas, sobresaliente Betsy Túrnez. y Miki Esparbé explora un interesante registro nunca visto en su carrera, el que se lleva la gloria es Alain Hernández. El que fuera nuestro elegido como actor revelación del año pasado por "Palmeras en la Nieve", se mete en la piel de un oscuro personaje al que es capaz de dotar de los matices, el odio, la rabia y la ternura suficiente para ser tanto el hilo conductor, como para que el espectador  no se distancie de él en ningún momento.

"El Rey Tuerto" es una película que despertará las risas del espectador, a la vez que podrá enmudecer a mucho otros, todo esto es debido a que Marc Crehuet propone la película como juego en el que no dejará tregua a nadie gracias al buen uso de los recursos técnicos, algo muy alabable siendo esta su primera incursión en el cine. Se rodea de un equipo que desde la desasosegante fotografía, su agobiante música y juguetón montaje desafía al espectador a pasar una hora y media donde podrá reír y reflexionar, estando presentes sus arrebatadoras imágenes durante mucho tiempo en la cabeza de uno.

+ El estado de shock en el que deja al espectador.
- Algún exceso de su tercio final.

PUNTUACIÓN TOTAL: *  *  *  *



lunes, 16 de mayo de 2016

HIGH-RISE "la persistente lucha de clases"

"High-Rise" se estrena en España después de ser presentada en el último Festival de San Sebatián, donde a pesar de no recibir ningún premio en el Palmarés fue una de las películas que levantaron más expectación tanto en la prensa como en el público.

El doctor Robert Laing (Tom Hiddleston) se muda a un idílico rascacielos donde parece existir un aparente orden de clases. Sin embargo, poco a poco irá descubriendo como este utópico orden esconde aspectos más siniestros de los que podría imaginar.

Después de una película tan extraña, diferente, cómica y terrorífica como "Turistas", no es de extrañar que Ben Wheatley se haya atrevido con el texto de J.G. Ballarad "Rascacielos", autor que ya ha sido llevado en otras ocasiones al cine como la controvertida "Crash" de David Cronenberg. Mucho tiempo ha pasado desde aquella película, y la masificación del cine ha conseguido que sea cada vez más difícil sorprender y escandalizar al público. A pesar de esto, Ben Wheatley se atreve con una novela cuyo contenido, a pesar de haber pasado más de cuarenta años desde su publicación, sigue muy vigente hoy en día, con un mensaje tan actual como aterrador. 

Este parece uno de los objetivos que se debió marcar Wheatley, y lo ha conseguido, ¡vaya no si lo ha hecho! "High-Rise" comienza con una de las secuencias más potentes e impactantes del cine contemporáneo, toda una declaración de intenciones que nos hace sospechar los derroteros por lo que va a llevar la película su director, y, a pesar de su intensidad, en ningún momento decae ni el ritmo ni el nivel del resto del film.

"High-Rise" es un juguete con el que pretende adentrarnos en un oscuro, pero realista mundo, donde Ben Wheatley se atreve a diseccionar algo tan clásico como la lucha de clases, el empobrecimiento del alma por culpa del dinero y la ambición, el sexo, la codicia y todas aristas más oscuras del ser humano concentradas en un altísimo rascacielos que parece vivir ajeno al resto de la sociedad. A través de sus diferentes pisos del edificio vemos cómo su protagonista va conociendo a los integrantes de estos estamentos sociales, en los que por lo general siempre existe un resentimiento y un malsano odio hacia los habitantes tanto de por encima como por debajo. 





La película de Wheatley supone un doloroso goce en el que su trasfondo se sirve de la plasticidad visual que su director le imprime. Durante las casi dos horas de metraje no deja respiro ni descanso al director, su agobiante fotografía, la constante música de Clint Mansell que no cesa en remarcar las notas de su director, un montaje vívido y todos los aspectos técnicos se dan de la mano para concluir en el subrayado mensaje que Ben Wheatley ha querido extraer de la novela de J.G. Ballard: el hombre es el peor enemigo del hombre y la lucha entre congéneres siempre estará sobre la mesa.

Estamos ante un film que remarca en exceso sus segundas lecturas, que analiza los podridos sistemas políticos que el propio hombre ha creado, capitalismo, comunismo o anarquía. Pero, sin lugar a dudas nos situamos con ante una película de obligatorio visionado, que será amada y odiada fácilmente por partes iguales, pero que no dejará a nadie indiferente, invitando a la reflexión y el diálogo, haciendo que sus imágenes perduren durante mucho tiempo en la mente del espectador. Esta imágenes que deberían pasar a la historia como unas de las más perturbadoras e inquietantes del cine actual.

+ Su total falta de filtros, le pese a quien le pese.
- Se empeña en no soltar de la mano al espectador.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  *  *


sábado, 14 de mayo de 2016

SAN PEDRO Y LAS BASÍLICAS PAPALES DE ROMA "hermosa ciudad eterna"

Tras su éxito en Italia se estrena este documental de Luca Viotto, director de "Florencia y la Galería Uffizi", que aporta la última tecnología para permitir un viaje a través de las joyas que hay tras las cuatro basílicas papales.

El punto de partida de esta película es el jubileo proclamado por el papa Francisco, por el cual los millones de peregrinos que acudan a Roma visitarán además de la Basílica de San Pedro las otras tres basílicas papales: San Juan de Letrán, Santa María la Mayor y San Pablo Extramuros. Pero, hasta ahí el punto de vista religioso, debido a que este documental nos muestra un recorrido histórico, artístico y arquitectónico de estas grandes construcciones.

A través de una mirada de pájaro, recorremos las hermosas vistas de una Roma que nunca duerme para ir acercándonos a estas cuatro maravillas arquitectónicas y adentrarnos dentro de ellas. Bajo el relato de expertos en la materia nos desentrañan los orígenes, los misterios, nos explican una época y, sobre todo, nos dan la mano para maravillarnos con la belleza que esconden sus muros, sus estatuas y sus restos arquitectónicos.

Quizás, habrá quien le cuesta acercarse a la película de Luca Viotto, pero quien deje prejuicios a un lado podrá disfrutar de un hermoso documental, en el que durante dos horas uno tiene la sensación de estar viviendo en la propia Roma, respirar su olor, sentir la esencia de estas maravillas de la arquitectura. Viotto es capaz de mostrarnos tanta belleza, sin entrar en el retrato de postal. No estamos tampoco ante una película que pretenda vender una ciudad, que no lo necesita, sino que el entusiasta retrato de su director nos teletransporta a una Roma mágica que (re)descubrimos  a través de su cuidadísima fotografía y una hermosa partitura musical que acompaña las imágenes y explicaciones de estas cuatro basílicas.

"San Pedro y las Basílicas Papales de Roma" es un documental de los que merece la pena acudir a una sala para que su disfrute sea máximo, donde todas las intenciones de su director cobran sentido: disfrutar de estas cuatro joyas creadas por el hombre y de la ciudad que las acoge, la ciudad eterna.

+ La combinación de belleza y conocimiento.
- Que haya quien se la pierda por prejuicios.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  *



miércoles, 11 de mayo de 2016

Sorteo de entradas preestreno de X-MEN:APOCALIPSIS

El 20 de mayo se estrena "X-Men: Apocalipsis", la supuesta conclusión de la nueva trilogía de los mutantes que comenzó con "X-Men: Primera Generación", la película está protagonizada por las habituales caras como Jennifer Lawrence, Michael Fassbender, James McAvoy, además del nuevo fichaje de Oscar Isaac como "Apocalipsis".



Después del sorteo que hicimos hace menos de un mes para el pase especial antes del estreno de "La Punta del Iceberg", os informamos de otro que queremos hacer en relación al estreno de la película de Bryan Singer. De la mano de la página web de Sensacine y gracias a los Premios "Blogos de Oro" ofrecemos tres entradas dobles para acudir al preestreno de la película "X-Men: Apocalipsis" el día 17 de mayo que tendrá lugar en el "Cine Aribau Club" de Barcelona a las 20.00 horas. Os contamos cómo ganar una de estas entradas.

Para participar es muy sencillo, tan sólo tienes que ser seguidor nuestros y escribirnos en una de nuestras redes sociales: Twitter @IndustriadeCine, la Página Oficial de Facebook, el Perfil de Facebook o dejándonos un comentario en esta misma entrada con el siguiente mensaje:

"Quiero ganar una de las entradas para el preestreno de #XMenApocalipsis que ofrece laindustriadelcine.com 

Os animamos a participar en el sorteo y disfrutar de la última entrega de "X-Men" antes que nadie, cerraremos el sorteo el domingo a mediodía, anunciaremos los ganadores en nuestras redes sociales durante dicho día, que nos deberán coonfirmar y dar su nombre que darán el día del preestreno. Si alguno de los ganadores no contestara durante el domingo, directamente pasarían las entradas a la siguiente persona en el sorteo.

Os dejamos aquí el trailer para que vayáis abriendo boca. ¡Nos vemos en el cine!






lunes, 9 de mayo de 2016

Descubre "PORNOCAPITALISMO,a Sangre Viva" de Santi Senso

En nuestra página web normalmente os hablamos de cine, pero en ocasiones como esta nos gusta abordar otras ramas del arte, por lo que hoy queremos saltar al teatro e informaros de la obra "PORNOCAPITALISMO, a Sangre Viva" encuadrada dentro de los "Actos Íntimos" de Santi Senso. Pero, ¿qué son estos actos? ¿Quién es Santi Senso?

La polifacética actriz Ana Rujas junto a la cubana Cary Rosa Varona se adentran en este particular mundo y comparten protagonismo junto al actor en una obra que promete ser un acto de reflexión ante la forma de sobreVIVIR en el mundo occidental. Os invitamos a descubrirlo con nosotros del 11 al 15 de mayo en el Teatro del Arte de Madrid dentro del Festival SURGE Madrid 2016.



Para comenzar deberíamos definir qué son los "Actos Íntimos", pero tal y como describe Santi Senso, creador e impulsor del Teatro Íntimo, "definir qué son los actos íntimos, es prácticamente imposible". Y esto es porque no responde a lo entendido como teatro convencional. Los espectadores, no son simples testigos de lo que sucede. Son parte activa, figurantes, actores, interventores, relatores, guías y guiados, desapareciendo así la cuarta pared.


En los "Actos Íntimos" es necesario destacar la búsqueda de la estimulación sensitiva. La puesta en escena se cuida en todos los planos del espectáculo. Los olores, texturas, luces, atrezzo, música, vestuario, posición actoral e incluso la inclusión del espectador en ese ambiente creado. El hecho de que los espectadores formen parte de la "dramaturgia viva" hace que cada uno de los pases de un mismo espectáculo resulten diferentes.


¿DE QUÉ TRATA "PORNOCAPITALISMO"?


Dentro de este marco que os contamos se sitúa "PORNOCAPITALISMO, a Sangre Viva", un nuevo "Acto Íntimo" donde los líderes políticos, empresarios, patriarcas, reverendos, proxenetas; esos que se creen los dueños y señores, vivirán una vez más los últimos minutos de vida de sus súbditos. Estos súbditos que son los marginados, analfabetos, trabajadores, sumisos, fieles, devotos de la mentira pelearán por complacer al que dirige el terror. Lo que no saben estos líderes es que si mueren sus gallos, el corral se derrumba.

La obra de teatra habla de la ambición de los que desean ser recordados eternamente y esos no solo son los dictadores, los políticos o los soldados llamados héroes; sino también los jornaleros, los panaderos, las cajeras, los arquitectos. Todos deseamos trascender y ser recordados porque esto es lo que nos hace eternos. No sólo es una ambición de los poderosos.



Una ambición no sólo de los poderosos, aunque estos intolerantes piensen que los diferentes a ellos son escoria y deben luchar para divertir a los seres capitalistas. En esta ocasión, los líderes del sistema que acostumbran a vivir del esfuerzo de sus peones bajo el imperio del terror que implantan, verán peligrar su poder.

LA PUESTA EN ESCENA


Esta propuesta teatral presenta como novedad, la desnudez física siempre presente en el lenguaje íntimo de Santi Senso que se mimetiza con la propuesta del artista Fede Pouso, encargado del diseño y la confección de la indumentaria. Una revancha al capitalismo dando una segunda oportunidad a la ropa customizando prendas usadas. Fede Pouso sorprende con diferentes técnicas artísticas como la pintura, el collage y los apliques, proponiendo un estilo callejero y punk. Pouso, uruguayo de nacimiento, comienza su carrera profesional a la edad de 20 años como estilista de moda en numerosas revistas y campañas para marcas nacionales, logrando llegar a ser parte importante del equipo de Dirección de pasarela en la Fashion Week de Uruguay, MOWEEK. En España trabajó en 2014 en teatro con la obra “El Descanso de Caronte” de la compañía Actos Íntimos de Santi Senso como fgurinista y vestuarista de la pieza. Diseña y confecciona el vestuario del primer bailarín de la òpera “La Danza Macabra” para el Teatro Pilar Bardem.




"PORNOCAPITALISMO, a Sangre Viva" cuenta con una combinación de diferentes estilos musicales compuestos para este Acto Íntimo por los músicos uruguayos Artesano Titer, Par y Tinitus. Música electrónica, latina y hip-hop pondrán en situación a los personajes, "gallos de pelea" del sistema capitalista, que sufrirán los embistes del mundo al que pertenecen involuntariamente y del que son víctimas pasivas y agresores activos.

¿QUIÉN ES SANTI SENSO?


Para muchos este nombre no resultará desconocido, pero para el que sea la primera vez que se tope con él os contamos que es el creador e impulsor del Teatro Íntimo. Es el fundador de la primera casa teatro en Venezula “Casa Teatro Andante”, además de director del Festival Internacional de Teatro Intimo en Casas Particulares. Desde hace más de 17 años lleva habitando espacios no convencionales con sus llamados Actos Intimos representados en casas particulares, habitaciones de hoteles, trasteros, barcos, iglesias, naves industriales, embarcaderos, molinos, cuevas, galerías de arte, salas e incluso teatros han sido habitados por el lenguaje que Santi Senso propone.



Ha trabajo en otras ramas artísticas como el cine en películas como "33, Hágase mi Voluntad" o "La Máquina de Bailar" de Óscar Aibar. En series de televisión ha trabajado en algunas de las más conocidas de nuestro país como “Amar en Tiempos Revueltos” o “Águila Roja”.

Además, ha participado en obras de teatro como “Lisístrata”, “Agripina” y “El Hilo de Ariadna”, todas estrenadas en el Festival de Tetro Clásico de Mérida

También le hemos podido ver haciendo otras disciplinas como fotografía, pintura, moda hansido y siguen siendo disciplinas en las cuales ha trabajdo desde que era tan solo un adolescente. Ahora, todas estas ramas artísticas participan en el lenguaje que habita sus Actos Intimos con montajes como “Desnudando a los Clásicos”, “La Religión de Sade”, “orgiaME”, “El Descanso de Caronte” y así hasta más de una veitena de montajes que se han podido ver en Festivales de Teatro Nacionales e Internacionales, viajando a países como Portugual, Venezuela, Uruguay, EEUU, entre otros.


SUS PROTAGONISTAS


"PORNOCAPITALISMO, a Sangre Viva" está protagonizada por su propio autor Santi Senso, pero además por las actrices Ana Rujas y Cary Rosa Varona que le acompañan en este nuevo Acto Íntimo.

Ana Rujas, madrileña de nacimiento que trabaja desde los dieciséis años en teatro, antes incluso danzaba por las calles de Madrid con un grupo de teatro, tirando de sus propios escritos. Más tarde se forma en diferentes escuelas como Metrópolis hasta acabar en el estudio de Juan Carlos Corazza durante cinco años. A la vez trabajaba en series de televisión como “Hispania”, “Punta Escarlata”, “Angel o Demonio” o “90–60–90”. Ha participado en diferentes películas como “Gente En Sitios” de Juan Cavestany, “Summertime” de Norberto Ramos del Val “The Blind Man Of Seville” o la próxima "Eva no duerme" de Miguel Sierra, entre otras

Ha participado en montajes teatrales como “Me Muero Me Muero" de Carlos Rico, “Hijas de Puta” de Norberto Ramos, “Los Hijos De Shakespeare” de J. Corazza o “Waiting For The Girl” de Pablo Vázquez, entre otros.




Cary Rosa Varona, cubana graduada de instrumentista y profesora de Violoncello en el Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana. Comenzó desde los 6 años de edad en la Educación Artística. En Cuba he trabajado en televisión, teatros, giras nacionales, en la grabación de la banda sonara de dos películas cubanas: “La Anunciación” y “El Premio Flaco”. Como solista y en bandas ha participado en los festivales nacionales de Música de Cámara y Musicalia. Comienza en el teatro en el año 2012 con la obra “Desnudando a los Clásicos” de la compañía Actos Íntimos.Y le suceden otros Actos Intimo “Yo Indígena”, “El Descanso de Caronte”. Actualmente es líder de la banda "Cary Rosa y los afrocubanos".






Y después de todo esto, tan solo os podemos animar a acudir a disfrutar de un espectáculo teatral diferente al que estamos acostumbrados. No os perdáis "PORNOCAPITALISMO, a Sangre Viva" del 11 al 15 de mayo en el Teatro del Arte de Madrid.

sábado, 7 de mayo de 2016

MAYO DE 1940 "en tierra de nadie"

Después de la nominada al Oscar "Feliz Navidad" y del thriller de espías "El Caso Farewell", Christian Carion llega a los cines de España con un drama ambientado en Francia durante el inicio de la ocupación francesa. La película, nominada a los Premios Cèsar del Cine Francés a la Mejor Música Original de Ennio Morricone, está protagonizada por un elenco internacional en el que destacan August Diehl, Matthew Rhys, Mathilde Seigner y Olivier Gourmet.

Coincidiendo con el inicio de la ocupación francesa por parte de los nazis en 1940, un alemán (August Diehl) huye del nazismo a un pequeño pueblo de Francia hasta que es encarcelado confiando la vida de su hijo en las manos de una joven maestra (Alice Isaaz). Pero, la invasión alemana separá sus caminos y tendrá que viajar para encontrar a su hijo.

Hace menos de un año se estrenaba la adaptación al cine de "Suite Francesa" donde también se retrataba la ocupación nazi del país galo. La película protagonizada por Michelle Williams comenzaba con la presencia en las carreteras de la población francesa. Mientras que aquella este hecho servía tan sólo de inicio, en "Mayo de 1940" retrata concretamente la huida de millones de franceses ante el temor de ser arrasados por los nazis en su conquista de los pueblos. Bajo este marco, Christian Carion nos presentan a una serie de personajes perdidos en tierra de nadie, que le sirven para retratar el horror de una época en la que se obligó a muchas personas a dejar atrás sus hogares y sobrevivir a los vaivenes del hambre o las bombas.

Narrada como si de un western de historias cruzadas se tratara, "Mayo de 1940" retrata diferentes aspectos de la ocupación francesa. Desde la resistencia británica, los ataques nazis o la propaganda de la guerra, pero sobre todo el día a día de estas caravanas de personas luchando por encontrar un refugio donde estar a salvo. Ese es uno de los poderes de la película, mostrar el horror cómo tenía que ser huir de tu propio hogar y sufrir desde el hambre, los ataques de los aviones o ver cómo incluso compatriotas se aprovechaban de dicha situación para sacar tajada. Pero, ante todo este horror y tanta rabia, Christian Carion pretende mostrarnos la otra cara del ser humano, capaz de sacar lo mejor de sí ante situaciones tan difíciles. 




La película rezuma un aire de clasicismo que deja muy buen sabor de boca, es dura y delicada, a la vez que se vale de una emotividad nada impostada ni maniquea para contarnos esta historia de un padre que hará todo lo posible por encontrar a su hijo y de un pueblo que se unirá para conseguir llegar a su objetivo. A través de una hermosa fotografía, Christian Carion sigue con la cámara mediante una manera delicada y con buen gusto a estos personajes consiguiendo adentrarse en ellos, hacernos partícipes de la rabia, el dolor, pero ante todo el amor. Porque "Mayo de 1940" en el fondo, tras las escenas de acción y combate, es una hermosa historia de amor paternal.

"Mayo de 1940" es una película casi sobresaliente sobre la Segunda Guerra Mundial, que se distingue de otras producciones más academicistas en la mirada honesta que le imprime a sus imágenes y a la verdad que respiran unos personajes interpretados por un elenco internacional, donde el francés se mezcla con el inglés o el alemán, algo que esperemos que la (anti)magia del doblaje no estropee. Si August Diehl, Matthew Rhys u Olivier Gourmet ofrecen unas notables interpretaciones, son ellas las que muestran el retrato de unas mujeres fuertes, sobresaliendo una Alice Isaaz que aporta una humanidad y ternura que la sitúan en uno de los rostros más interesantes a seguir en el cine francés.

+ La honestidad de sus imágenes.
- Algún salto en la narración, ¿tijeras en el montaje?

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  * y 1/2










jueves, 5 de mayo de 2016

FREEHELD,UN AMOR INCONDICIONAL "justicia a cualquier precio"

Antes de estrenarse parecía una de las películas favoritas de la temporada de premios, cine de contenido social con grandes interpretaciones. Sin embargo, tras un recibimiento tibio por parte de la prensa y el público en Estados Unidos hicieron mermar sus posibilidades en los Oscar. Presentada en el Festival de San Sebastián, donde nosotros la vimos, llega a los cines esta historia basada en un hecho real.

Basada en un hecho real, Laurel (Julianne Moore) es una reputada policía que mantiene una relación con una chica más joven (Ellen Page). Cuando le diagnostican de cáncer, pretende dejar su pensión a su pareja, algo que le denegarán los funcionarios del estado por ser una pareja homosexual. Esta historia cuenta la lucha por ganar ese derecho.

Aunque resulte increíble en nuestros días, la injusticia de la que se hace eco "Freeheld" es más común de lo que nos gustaría pensar. La película de Peter Sollet responde a un llamamiento de ese cine de defensa de los derechos y libertades que viene desde el otro lado del charco en la que podemos incluir películas desde "Philapdelphia", "Milk" o incluso dramas edulcorados como "Criadas y Señoras". Esta película no cuenta nada nuevo, Peter Sollet lo sabe, además tampoco pretende dejar tras ésta la gran obra maestra del cine. Para ello reúne los ingredientes necesarios: historia controvertida con injusticia incluida, elenco conocido con cambio físico, guionista de renombre (Ron Nyswaner, autor de "Philadelphia"), todo esto sumado con mucha dosis de sentimentalismo.

El resultado de esta receta mágica no siempre lo acaba siendo, mientras que hay ejemplos notables como "Selma" o "Milk", otras veces el conjunto acaba por no acabar de funcionar. Esto es precisamente lo que le ocurre a "Freeheld, un amor incondicional", que la suma de sus partes no acaba de soldar lo bien que esta historia se merecía. Con cierto look de cine para televisión, desde la estructura de su guión pasando por una dirección en piloto automático, en la que intuimos que Sollet creía confiar demasiado en el material que manejaba entre sus manos. Nunca se muestra imaginativo, simplemente pretende demostrar su tesis, algo que la historia de por sí no necesitaba, y pone el acento indicando siempre al espectador dónde tiene que reir, llorar, mostrar compasión, pena o amor. No deja al espectador pensar y que saque sus propias conclusiones, como si en el fondo no estuviera muy seguro de lo que quiere contar.





Sin ser un descalabro, estamos ante una película cuyo problema es que se deja ver sola, sin aportar realmente nada nuevo, no intenta indagar en exceso en los personajes, simplemente nos los muestra tal y como son, al igual que los hechos, narrados desde una linealidad poco imaginativa sin excesivo riesgo. Esta historia de amor, superación y lucha pone la nota en el sentimiento, pecando en exceso en la búsqueda de la lágrima fácil, por lo que en algunos de sus tramos resulta poco sutil, haciendo que el peso de la película recaiga sobre los hombros de sus protagonistas, algo que le resta verosimilitud a la historia, a pesar de las buenas interpretaciones de sus actores. Si Julianne Moore está espléndida, tenemos que decir que quien realmente se lleva la palma es una Ellen Page que arriesga y sale victoriosa. A pesar de las buenas interpretaciones de sus protagonistas, no sabemos si por culpa de su director, o por ellas mismas, no encontramos la química perfecta que debería existir entre ellas.

A pesar de todo, "Freeheld, un amor incondicional" es una película necesaria, que podrá ser vista con facilidad por el público, tampoco intenta estrujar demasiado nuestras mentes por estar más pendiente de la dulce emotividad, pero que por lo menos se agradece el intento de llevar a la pantalla una historia que nos hace avanzar como seres humanos, para aprender de nuestros errores y que no se repitan en el futuro. Aunque, finalmente esta historia podría haber dado mucho más de sí.

+ Ellen Page, dureza y fragilidad a la vez.
- Su guión y dirección, en piloto automático.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  * y 1/2


miércoles, 4 de mayo de 2016

LA NOCHE QUE MI MADRE MATÓ A MI PADRE "la revancha de los locos"

Tras participar en el Festival de Málaga con gran éxito, recibiendo el Premio del Público, se estrena la última película de una de las directoras más interesantes de nuestro cine, Inés París. Para llevar a buen puerto de esta comedia se rodea de un gran elenco encabezado por Belén Rueda, Diego Peretti y Eduard Fernández, entre otros.

Isabel (Belén Rueda) es una actriz madura que busca demostrar que no ha perdido el talento. Su marido Ángel (Eduard Fernández), escritor y guionista de historias de misterio, quiere vender una historia al actor Diego Peretti (Diego Peretti), por lo que organizan una tranquila cena, en la que se presentarán la ex mujer y asesora de Ángel (María Pujalte), el ex marido de Isabel (Fele Martínez) y su excéntrica y jovencísima novia (Patria Montero). Cuando creen que nada puede salir peor, algo insospechado ocurrirá.


Creadora de algunas de las comedias más interesantes de los últimos años ("A mi madre le gustan las mujeres", "Semen, una historia de amor"), la directora se atreve con otra historia de título larguísimo e imposible, que ya en sí esconde toda una declaración de intenciones. Detrás de este título encontramos las intenciones de la directora, proponernos un enrevesado juego en el que presenta a una serie de personajes como si de los jugadores de "El Cluedo" se trataran. Cuenta con todos los elementos de una historia de intriga, el escenario en una mansión, damas peligrosas, secundarios muy sospechosos. Bien podríamos estar hablando de una película de intriga y misterio, sin embargo estamos ante una de las mejores comedias del año.

Inés París se sirve de un giro de un elemento del cine de suspense, a no ser que hayas visto el trailer, para desengranar una absurda y entretenidísima farsa en la que no todo, ni todos, son lo que parecen. Juego de espejos, giros de guión muy acertados y personajes esperpénticos que en el fondo le sirve a su directora para abordar temas muy presentes en toda su filmografía. La familia como elemento central de la vida, siendo de la configuración que sea, las relaciones de pareja e incluso el arte, son algunas de las "obsesiones" que Inés París ha ido desarrollando en su carrera, con más o menos acierto en unos casos y otros, pero que en "La Noche que mi Madre Mató a mi Padre" consigue unificar y dar forma a la que sea una de las películas más notables y con mejor resultado de su carrera.





Gracias a un guión hábil y con una estructura complicada pero sutil, vamos adentrándonos en el microuniverso que se crea alrededor de una peligrosa cena de negocios. Inés París demuestra, cual director de orquesta, una gran capacidad para tener todos los aspectos de esta pequeña pero complicada producción bajo el control. Para ello contribuye un sabio y arriesgado montaje, una dirección artística exquisita, junto con unos actores en estado de gracia. Hay películas en la que unos personajes resultan más interesantes que otros, donde se corre el riesgo que los actores se coman entre sí. Sin embargo, los bien escritos personajes acaban gozando de la simpatía del espectador, algo que contribuyen sus magníficos actores, donde vemos una auténtica lucha de locos.

Aun siendo una comedia, "La Noche que mi Madre Mató a mi Padre" acaba ahondando en aspectos tan interesantes como la madurez en la mujer, nos hace plantearnos cuestiones sobre el cambio generacional, suponiendo incluso una oda al universo femenino visto de una perspectiva en la que todas sus protagonistas son un auténtico desastre, también ellos. Y además, el público se desternillará de la risa, ¿qué más se puede pedir?

+ Su enrevesado juego, divertidísimo.
- Le cuesta levantar el vuelo al principio.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  * y 1/2


lunes, 2 de mayo de 2016

FESTIVAL MÁLAGA 2016 "Ranking de las películas"

Vamos cerrando líneas sobre el Festival de Málaga, las películas ya están vistas, los premios entregados. Ahora, todo este trabajo tiene que servir para que las películas se den a conocer. Nosotros ya lo hemos hecho y hemos dado nuestra opinión, por lo que las queremos reunir a todas en un Ranking para sepáis que nos ha parecido cada una de las películas que hemos visto. 







#1 LA PRÓXIMA PIEL de Isaki Lacuesta e Isa Campo. PUNTUACIÓN: 8,5

"este drama supone la vuelta en primera línea de Lacuesta (junto a la nueva directora Isa Campo), donde tejen una red de sentimientos encontrados muy bien equilibrada a través de un guión juguetón que le gusta ser ambiguo para tener al espectador atento constantemente"





#2 EL REY TUERTO de Marc Crehuet. PUNTUACIÓN: 8


"Rodada con mucho estilo, nos encierra básicamente en cuatro paredes sin tener la sensación de que el original proviene del teatro, Crehuet se lanza de lleno con una película que tiene la capacidad de soltar la risa incómoda del espectador o enmudecerlo."






#3 TORO de Kike Maíllo. PUNTUACIÓN: 7,75

"bajo toda esa capa de violencia, luces de colores, vírgenes sin ojos y paisajes desoladores se esconde una fábula que habla sobre el lado más oscuro del hombre, pero también del amor como elemento redentor."






#4 ZOE de Ander Duque. PUNTUACIÓN: 7,25

"Película experimental, que mezcla realismo y muchos elementos de documental, que apela a los sentimientos e invita al espectador a realizar un camino emocional sustancial."







#5 KÓBLIC de Sebastián Borensztein. PUNTUACIÓN 7,25

"Borensztein se muestra convincente y seguro en la dirección, además de contar con un guión inteligente y sólido,(...) nos ofrece un terció final bastante notable".






#6 GERNIKA de Koldo Serra. PUNTUACIÓN 7.0

"Con mucho sentido del gusto y un ritmo ágil, podemos afirmar que estamos ante una película bastante notable, capaz de emocionar al espectador sin caer en el sentimentalismo barato."







#7 LA NOCHE QUE MI MADRE MATÓ A MI PADRE de Inés París. PUNTUACIÓN: 6,75

"Estamos ante una película bastante divertida, que a pesar de costarle levantar el vuelo en su primer tercio, consigue salir triunfante gracias a unos diálogos ácidos, el gran sentido del ritmo que demuestra Inés París, un elenco en estado de gracia y sobre todo una auténtica mala leche.·






#8 EBRO: DE LA CUNA A LA BATALLA de Román Parrado. PUNTUACIÓN: 6,75

"una sensibilidad bastante imponente para una película dirigida para la televisión, estamos ante una muy interesante y lograda recreación de uno de los episodios más destacados de nuestra historia".






#9 LA XIRGU de Silvia Quer. PUNTUACIÓN: 6,5

"Rodada al estilo de televisión, pero con ritmo y gusto, "La Xirgu" es una emotiva reflexión y oda al teatro, al arte, pero sobre todo a la mujer."







#10 LA PUNTA DEL ICEBERG de David Cánovas. PUNTUACIÓN: 6,25

"es de alabar la solvencia de su director a la hora de mantener un ritmo constante que no decae en su interés, y de soportar largas escenas de diálogos sin que éstos suenen impostados."







#11 CERCA DE TU CASA de Eduard Cortés. PUNTUACIÓN: 6,25

"A pesar de todo, es una película necesaria y recomendable, y valoramos el riesgo que toma el director, que en ningún momento frivoliza al incluir la parte musical, que por otro lado no logramos conectar con ella."






#12 ACANTILADO de Helena Taberna. PUNTUACIÓN: 6,0

"errores tiene, sí, y una resolución que no está a la altura del conjunto, pero estamos ante un trabajo bastante solvente con una atmósfera muy lograda que hará que el espectador se pegue a la butaca sin poder pestañear."






#13 CALLBACK de Carles Torras. PUNTUACIÓN: 5,75

Película sobria, de estética sencilla, sin grandes artificios (...). Le falta garra y le sobra sobriedad, justo en el momento en que la película puede dar un giro y convertirse en la locura que esperamos, decide seguir con el mismo esquema"






#14 QUATRETONDETA de Pol Rodríguez. PUNTUACIÓN: 5,5

Uno de los mejores inicios del cine español de este año viene de la mano de este director novel (...). Es una pena que una película que podía haber sido la gran revelación del festival, y posiblemente del año, se haya quedado en un correcto debut con grandes momentos que se ven empañados por la guía turística que nos hace el director por las fiestas patronales de su pueblo."






#15 RUMBOS de Manuela Moreno. PUNTUACIÓN: 5,0

"Película de muy buenas intenciones en la que algunos momentos, sobre todo cuando se acerca al drama, tiene algún halo de ingenio y esperanza pero que por culpa de una composición errática no acaba de funcionar."






#16 JULIE de Alba González de Molina. PUNTUACIÓN 4,75

"el medio que utiliza para hablarnos de temas como la ausencia de la figura paterna, o el descubirmiento de una nueva forma de vivir, no acaba por cuajar."






#17 EL FUTURO YA NO ES LO QUE ERA de Pedro Barbero. PUNTUACIÓN: 3,0

"La película es un conjunto de escenas tópicas y lugares comunes en una especie de comedia que no hace gracia y un drama que no acaba de encontrar el tono, a pesar de que la inmensa Carmen Maura defienda el único personaje agradecido y sólo cuando aparece en pantalla consigue aumentar nuestro interés."


*NUESTROS AMANTES de Miguel Ángel Lamata

NO PUDIMOS VER LA PELÍCULA POR LO QUE NO LA INCLUIMOS EN ESTE RANKING.