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jueves, 25 de agosto de 2016

¿y si los GOYA fuera hoy? #CaminoALosGoya17

Han pasado varios meses desde el inicio del año y desde que se estregaran los Premios Goya 2016. Muchas han sido las películas estrenadas durante esta primera parte del año, por lo que queremos hacer un repaso a lo mejor del año en el cine español imaginando qué ocurriría si las nominaciones a los Premios Goya se leyeran ahora.






Suele ser regla general estrenar las películas más esperadas para el último trimestre del año, muchas de ellas después de su paso por el Festival de San Sebastián, por lo que resulta interesante ver, de cara a unos meses, cómo unas películas permanecerán en esta lista que hemos imaginado y cuáles desaparecerán.

Para realizar esta lista tenemos en cuenta las películas estrenadas comercialmente durante el año 2016 hasta el 31 de julio, por lo que las películas estrenadas en agosto no las tendremos en cuenta al tener que poner un límite temporal. Además, queremos señalar que hemos confeccionado estas nominaciones sin tener en cuenta nuestros gustos personales, sino basándonos en la manera que en los últimos años la Academia suele nominar. Esperemos que os guste este divertido juego y nos comentéis qué os parecerían estas nominaciones.



MEJOR PELÍCULA

-El Olivo de Iciar Bollain.
-El Rey Tuerto de Marc Crehuet.
-La Academia de las Musas de José Luis Guerín.
-Julieta de Pedro Almodóvar.
-Kiki, el Amor se Hace de Paco León.

MEJOR DIRECTOR

-Iciar Bollain (El Olivo).
-Pedo Almodóvar (Julieta).
-Paco León (Kiki, el Amor se Hace).
-Kike Maíllo (Toro).

MEJOR DIRECTOR NÓVEL

-Marc Crehuet (El Rey Tuerto).
-Jordi Frades (La Corona Partida).
-David Cánovas (La Punta del Iceberg).
-Laia Alabart, Alba Cros, Laura Rius y Marta Verheyen (Las Amigas de Ágata).

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

-Javier Gutiérrez (El Olivo).
-Miki Esparbé (El Rey Tuerto).
-Daniel Grao (Julieta).
-Mario Casas (Toro).

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

-Adriana Ugarte (Julieta).
-Emma Suárez (Julieta).
-Irene Escolar (La Corona Partida).
-Marián Álvarez (Lobos Sucios).

MEJOR ACTOR DE REPARTO

-Luis Bermejo (Kiki, el Amor se Hace).
-Óscar Martínez (Capitán Kóblic).
-Eusebio Poncela (La Corona Partida).
-José Sacristán (Toro).

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

-Candela Peña (Kiki, el Amor se Hace).
-María Pujalte (La Noche que mi Madre Mató a mi Padre).
-Pilar López de Ayala (Rumbos).
-Luichi Macías (Toro).

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

-Joaquí Furriel (Cien Años de Perdón).
-Alaín Hernández (El Rey Tuerto).
-David Mora (Kiki, el Amor se Hace).
-Raúl Escudero (Poveda).

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

-Anna Castillo (El Olivo).
-Betsy Túrnez (El Rey Tuerto).
-Belén Cuesta (Kiki, el Amor se Hace).
-Cristina Castaño (Nacida para Ganar).

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

-El Olivo (Paul Laverty).
-La Noche que mi Madre Mató a mi Padre (Inés París, Fernando Colomo)
-Las Amigas de Ágata (Laia Alabart, Alba Cros, Laura Rius y Marta Verheyen).
-Toro (Rafael Cobos, Fernando Navarro).

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

-El Rey Tuerto (Marc Crehuet).
-Julieta (Pedro Almodóvar).
-Kiki, el Amor se Hace (Paco León, Fernando Pérez).
-La Punta del Iceberg (David Cánovas).

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

-Eva No Duerme (Iván Gieransinchuk).
-Julieta (Jean-Claude Larrieu).
-Kiki, el Amor se Hace (Kiki de la Rica).
-La Corona Partida (Raimon Lorda).

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

-Acantilado (Ángel Illarramendi).
-El Olivo (Pascal Gaigne).
-Julieta (Alberto Iglesias).
-La Corona Partida (Federico Jusid).

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN

-Julieta.
-La Corona Partida (Eugeni Margalló, Laura García, Eugenia Peral).
-Mi Panadería en Brooklyn.
-Zipi y Zape y la Isla del Capitán.

MEJOR MONTAJE

-Cien Años de Perdón (Antonio Frutos).
-Julieta (José Salcedo).
-Kiki, el Amor se Hace (Alberto de Toro).
-La Noche que mi Madre Mató a mi Padre (Ángel Hernández Zoido).

MEJOR SONIDO

-Cien Años de Perdón.
-Julieta.
-Kiki, el Amor se Hace.
-La Noche que mi Madre Mató a mi Padre.

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA

-Eva No Duerme (Mariela Rípodas).
-La Corona Partida (Marcelo Pacheco).
-Mi Panadería en Brooklyn.
-Toro (Pepe Domínguez del Olmo).

MEJOR VESTUARIO

-Altamira (Consolata Boyle).
-Julieta (Sonia Grande, Andrea Flesch).
-La Corona Partida (Pepe Reyes).
-Zipi y Zape y la Isla del Capitán (Andrea Flesch).

MAQUILLAJE Y/O PELUQUERÍA

-Eva No Duerme (Norberto Poli, Verónica Sabbatini).
-La Corona Partida (Lolita Gómez, Paco Rodríguez Frías).
-Lobos Sucios (Oriane de Neve, Antonella Prestigiacomo).
-Summer Camp.

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

-Cien Años de Perdón.
-Summer Camp (Jordi Morera).
-Toro.
-Zipi y Zape y la Isla del Capitán (Pedro Raúl de Diego).


RANKING de nominaciones

Julieta 12
Kiki, el Amor se Hace 10
La Corona Partida 9
Toro 7

El Rey Tuerto 6
El Olivo 6
Cien Años de Perdón 3
Zipi y Zape y la Isla del Capitán 3
La Noche que mi Madre Mató a mi Padre 3
Eva No Duerme 3
Summer Camp 2
Lobos Sucios 2
Las Amigas de Ágata 2
Mi Panadería en Brooklyn 2
1: Poveda, La Academia de las Musas, Altamira, Nacida para Ganar, Acantilado, Rumbos, La Punta del Iceberg y Capitán Kóblic

*Hemos intentado poner el nombre detrás de cada una de las películas en todas las categorías, las que hemos dejado en blanco es o porque nos ha sido imposible encontrar un dato fidedigno o porque había demasiadas personas (y no todas serán las que elijan los productores para presentar dicha película en esa categoría).
Si alguien conociera alguno de estos nombres, estaríamos encantados de poder incluirlo.













martes, 23 de agosto de 2016

MEJORES PELÍCULAS EXTRANJERAS 2015

Aunque han pasado ya varios meses desde el cambio de año, nunca es tarde para hablar y rescatar algunas de las películas que consideramos que fueron las mejores de la cosecha de 2015.
Esta es una pequeña selección, de la que se han quedado fuera algunas que muchos echarán en falta, al fin y al cabo la decisión sobre qué película es mejor que otra, acaba siendo algo subjetivo.





Las siguientes películas creemos que fueron lo mejor del año pasado, todas tienen algo que nos emocionaron, algo que hizo removernos por dentro, por ello han conseguido estar en esta (tardía) lista. Sabemos que hay muchas otras películas notables, que a muchos os parecerán mejores, o que merecían estar en esta lista.
Nos encantará ver vuestros comentarios sobre ellas, además de saber qué os parecen éstas.




#1 VICTORIA

La mejor película extranjera según nuestra opinión. Esta lección de cine proviene de Alemania con uno de los planos secuencia más largos, complicados y hermosos de la historia del cine. Ver "Victoria" resulta todo un placer tanto visual como sensorial, resultando una de las películas más brutales que hemos visto desde hace mucho tiempo, una obra que se quedará marcada en la retina del espectador durante mucho tiempo, que a través de su vibrante cámara no cesa en el constante empeño de meternos en la piel de esta intrépida española, en la que una tranquila noche berlinesa marcará el resto de su vida. Bravo por la apabullante Laia Costa; rostro, voz y alma de Victoria, personaje ya icónico en la cinematografía alemana.





#2 GETT, EL DIVORCIO DE VIVIANE AMSALEM

Aunque de producción de 2014, pero estrenada en nuestro país un año más tarde, no podemos más que maravillarnos por el uso de la narrativa de sus directores Ronit Elkabetz-también protagonista de la cinta- y Shlomi Elkabetz. Durante las dos horas de duración de la película, nos encierra bajo las cuatro paredes que forman el tribunal en el que la protagonista del título reclama poder divorciarse y ser repudiada de su marido, un judío muy convencido, para poder continuar su vida. En el fondo, un retrato duro y realista sobre la situación de la mujer bajo el marco de fanatismo religiosos. Un canto de libertad, una obra maestra que retrata a la perfección el dolor, la rabia y la resignación que tienen que sufrir muchas mujeres en todo el mundo. Este mismo año falleció su directora y protagonista de cáncer, una gran pérdida.




#3 YO,ÉL Y RAQUEL
Normalmente el cine de temática oncológica suele decantarse por el drama y el sentimentalismo. Sin embargo, Alfgonso Gómez-Rejon utiliza grandes dosis de humor y creatividad para retratarnos la curiosa historia de estos tres adolescentes, de los cuales uno de ellos tiene cáncer. Un canto a la vida, una oda de amor al cine con homenajes al séptimo arte en cada uno de sus planos. Pero, ante todo es una película profunda e inteligente, con un retrato bastante certero sobre la adolescencia gracias a la honesta mirada que posa el director en dicha etapa trascendental. Una obra de gran madurez, una película de obligado visionado en el que su tercio final dejará sin palabras al espectador, con un clímax mágico donde los haya.





#4 MACBETH

Este nuevo "Macbeth" podría parecer que no es más que otra revisión de un clásico en una era postmoderna, que bebe de la estética del cómic y de todas las películas que se han podido derivar tras el efecto "300" de Zack Snyder. Justin Kurzel no se queda en la simple anécdota de ofrecer batallas hermosas, sino en que lo estético aporte un significado más a lo escrito por Shakespeare. Tal y como se dice al principio de la película por una de las brujas "lo feo es bello y lo feo es bello", algo que podría ser uno de los ejes de la película, en el que este descenso a los infiernos de la locura, la muerte y el sentimiento de culpabilidad, se narran desde una perspectiva que puede enmudecer ante los sentidos, a través de unas imágenes bellamente rodadas, que sin embargo no hacen más que acentuar el lado oscuro del ser humano, de lo que en el fondo habla la obra de Shakespeare.




#5 UNA CHICA VUELVE A CASA SOLA DE NOCHE

Una película americana ambientada en Irán (aunque rodada en Texas) en un lugar de nombre tan peculiar como poco apetecible como "Bad City", con el persa como idioma principal, en blanco y negro y protagonizada por una joven vampira que busca a sus víctimas de noche vestida con atuendo religioso típico de la mujer en el islám. Después de esta descripción, qué más se le puede pedir al debut en el cine de Ana Lily Amirpour. Más allá de extraña descripción, encontramos una auténtica joya del terror, una película que esconde una deliciosa fábula sobre la soledad y una de las historias de amor más bonitas que hemos visto este año. Visualmente impactante, con un blanco y negro terrorífico y salpicada con una electrizante banda sonora que acompaña a su protagonista en su recorrido nocturno donde imparte una particular justicia a golpe de colmillos.





#6 LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO

El danés Thomas Vinterberg, tras triunfar con la nominada al Oscar "La Caza", adapta la famosa novela del escritor escocés Thomas Hardy de la mano de varios de los actores más destacados del momento. Carey Mulligan, Matthias Schoenaerts, Michael Sheen y Tom Sturridge protagonizan este drama romántico a cuatro bandas que esconde una profunda y hermosa reflexión sobre el amor, el valor del respeto a las decisiones y el papel de la mujer en la sociedad respecto a mundo machista, temas tan actual que le sirven a Thomas Vinterberg para convertir esta historia costumbrista en toda una epopeya llena de imágenes impactantes, música hermosa y un guión muy bien construido y mejor interpretado por sus cuatro actores.





#7 EDEN

Mia Hansen-Love presentó hace ya dos años en el Festival de San Sebastián esta historia sobre el auge y varias caídas de un Dj de la corriente "French Touch", que se estrenó con cierto retraso en nuestras salas. La pasión que la directora imprime a "Eden" se puede percibir y sentir durante casi la mayor parte del metraje. Conocedora de la existencia de multitud de películas sobre músicos y artistas y sus estrepitosas caídas de la fama, decide no recrearse ferozmente con su protagonista. Rodada con garra y fuerza, nos presenta una galería de personajes que entran y salen de la vida de este Dj que nunca envejece, que sirven a su vez para reflexionar sobre el mundo de la fama, el dinero, la música, las drogas y el amor. Todo un placer tanto visual como sonoro, "Eden" será para el espectador como una resaca, reflejo atormentado de una noche de diversión.






#8 LEJOS DE LOS HOMBRES

Basada en un relato corto de Albert Camus, David Oelhoffen se adentra en plena Guerra de Independencia de Argelia para presentarnos a un protagonista obligado a convertirse en un héroe, a la vez que resuelve varios dilemas morales subyacentes a dicho conflicto bélico. Una película que dentro de su pequeñez y modestia muestra cuestiones tan grandes e importantes del ser humano como la búsqueda de la identidad, tanto la referida a la patria geográfica como a la interior de uno mismo. Para ello se vale de unos efectivos y grandiosos diálogos que se desprenden de un guión meditado, que se plasman en pantalla en una reflexión necesaria, valiéndose de los silencios y miradas de sus protagonistas, algo que es suficiente para que el espectador sea consciente de lo verdaderamente importante que quiere trasmitir su director.





#9 SICARIO

El siempre inquieto Denis Villeneuve vuelve con otro thriller, esta vez se aleja de la oscura y tenebrosa estética de sus dos anteriores trabajos, "Enemy" y la muy alabada "Prisioneros". Nos acerca a la frontera entre Estados Unidos y México para mostrarnos la lucha contra el narcotráfico y los métodos que utilizan ambos bandos en esta guerra. Inquietante, agobiante en algunos momentos y muy ágil en su dirección, Villeneuve no deja descanso al espectador en ningún momento. Como siempre, acaba haciendo un retrato bastante terrorífico sobre la condición humana y la manera en que acaba perdiendo dicha condición con los atroces actos que acaba tomando. No está a la altura de sus anteriores trabajos, pero merece ser considerada como lo mejor de 2015.




#10 EL SECRETO DE ADALINE

La película que le dio a Blake Lively su primer y absoluto protagonista en cine, tras varios interesantes como secundaria. Un thriller con toques fantásticos, esta historia que bien podría calificarse como la hermana pequeña de "El Curioso Caso de Benjamin Button" es una sorprendente historia que toma una hermosa reflexión sobre el paso del tiempo y sus consecuencias, siendo una de las historias de amor más bonitas del año pasado. La película rezuma un agradable aroma a verdadero cine clásico, siendo capaz de mezclar varios géneros y salir victoriosa, por eso se merece estar en nuestra lista.










martes, 26 de julio de 2016

SUNSET SONG "una canción del pasado"

Se ha estrenado este fin de semana en la cartelera veraniega la última película de Terence Davies que se presentó en el pasado Festival de San Sebastián, donde nosotros pudimos verla.

Tras el éxito de crítica y público que cosechó con "The Deep Blue Sea" Terence Davies se aventura a adaptar la novela de mismo nombre de Lewis Grassic Gibbon, una de las más importantes de la literatura escocesa del siglo XX. Tras la estela de sus últimos trabajo de su filmografía, realmente casi todos, enmarca a "Sunset Song" en esa mezcla de sentimentalismo y espiritualidad que tan buenos resultados le ha dado en algunas de sus películas, que no en todas.

Este es precisamente el caso, "Sunset Song" está concebida como la historia más grande jamás contada, protagonizada por una joven luchadora que le toca vivir una época que no le corresponde, hecho que servirá para desarrollar toda una trama de desventuras y desdichas que Davie utiliza para enaltecer el espíritu combativo de su protagonista.

De apabullante belleza, con uno de los planos más hermosamente fotografiados que hemos visto en muchos años, "Sunset Song" puede ser una de las películas con mejor acabado en la carrera de Davies, incluso de la filmografía contemporánea, sin embargo ese exceso de preciosidad y lirismo no acaba de cuajar con la historia que nos está queriendo contar. Partimos de una premisa muy interesante, pero su director nos hace recorrer un largo recorrido por el que muchos espectadores decidirán darse la vuelta atrás y no continuar el camino. Llega un momento en el que no sabemos qué es lo que nos quiere contar, quizás un retrato de la Escocia de inicios del siglos XX, puede que una mirada al mundo rural, tal vez la biografía de una mujer excepcional. Quizás ni su propio director lo sepa, y la búsqueda de la belleza le haya cegado la visión a Terence Davies.



"Sunset Song" llama a la búsqueda de lo trascendente y lírico dentro de lo cotidiano, tiene más de un apunte interesante sobre la posición de la mujer en la sociedad, aunque ese continúo empeño de Davies en alargar en exceso todas y cada una de sus secuencias no hacen más que perjudicar el ritmo de una película, que aunque dure sus ya largos 135 minutos, parece que son muchos más.

Puede que uno de los grandes alicientes de la película sea el contraste entre lo brusco y lo frágil, la contraposición entre sus delicados diálogos y la crudeza de muchas de sus secuencias, además de contar con un tercio final magistral, emotivo, que nos llega a plantearnos si es necesario aguantar tantos minutos de metraje para llegar a ese culmen donde vemos al mejor Terence Davies, pero en el que nuestra paciencia hace mucho que emigró a mejores tierras.

+ Su primera secuencia.
- Su impostado sentimentalismo.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  * y 1/2


jueves, 21 de julio de 2016

PAQUITA SALAS "júntate a mi lado y habrá éxito"

No solemos hablar sobre series, de hecho esta es la primera vez en la página que lo hacemos, sin embargo creemos que después de haber visto el primer capítulo de "Paquita Salas", se merece un reconocimiento por nuestra parte.

Los actores Javier Calvo (Física o Química) y Javier Ambrossi (Cuéntame Cómo Pasó), conocidos también por su faceta teatral como creadores del fenómenos "La Llamada", de la cual están preparando su adaptación al cine, se lanzan de lleno en el mundo de las series. Lo que comenzó como una broma o un juego para Instagram ha derivado en lo que en principio serán 6 capítulos en formato serie que se lanzarán por el canal de internet Flooxer.

De momento sólo está disponible el primero de todos los capítulos, una especie de prueba para ver la recepción de este experimento que se aleja de la tónica normal de las series españolas actualmente, en el que casi se obliga a que todas las series que se emiten en las cadenas más generales vayan dirigidas a un target desde la infancia hasta la senectud.

Javier Calvo y Javier Ambrossi centran la serie en modo de falso documental sobre una representante de actores venida a menos, la Paquita Salas del título. Brays Efe (Cómo Sobrevivir a una Despedida) encarna a esta mujer cincuentona, de carácter, pero a la vez muy entrañable que lucha por sobrevivir en el mundo del cine como puede.

En este primer capítulo nos presentan a Paquita Salas que se va a la boda de su ex marido, un importante productor, junto a su ayudante Mawi (Belén Cuesta). Sin embargo, un problema con la agenda y un email de su principal artista Macarena García, que se interpreta a sí misma, hará que Paquita no acuda a la boda y se enmarque en un viaje en coche para llevar a Macarena García al estreno de su película a la Seminci, la cual esconde un doloroso secreto.

Tras ver esta primera aventura de "Paquita Salas" podemos decir que estamos ante una de las series más divertidas y conseguidas que haya visto la ficción española en los últimos años. Rompedora desde su formato en los que en veinticinco minutos es capaz de contar su historia sin la necesidad de alargar un metraje en favor de ocupar la franja del prime time. Es esa no atadura a la publicidad ni a las televisiones lo que convierte a "Paquita Salas" en una serie original, fresca, rompedora, muy divertida y a la vez con un gran corazón.

Como veníamos señalando está rodada en clave de falso documental, donde las diferentes secuencias se intercalan con declaraciones sobre estas de sus protagonistas, además por la pantalla se pasean diferentes personajes del mundo del cine que se interpretan a sí mismos que junto con las continuas referencias a cineastas, publicitas y otras personas del cine convierte a "Paquita Salas" en un retrato bastante certero de los entresijos del mundo del cine, la televisión y la publicidad actual.



Calvo y Ambrossi intercalan estos personajes de ficción (Paquita, su secretaria,el repartidor) con personalidades que tiene un papel importante en la trama como Lidia San José, imposible no reirsr con ella, o Macarena García, junto a cameos como los de Raquel Meroño (esperemos que la recuperen con más papel en los siguiente capítulos), Maxi Iglesias o Berta Vázquez.

Pero, si algo convierte en grande a esta serie es Brays Efe, el actor se mete en la piel de esta mujer con un desparpajo y una naturalidad impresionantes, él es Paquita y como si se hubiera reencarnado en esta representante hay momentos en los que llegamos a creer que estamos ante una mujer de cincuenta años. Bravo por Brays Efe, firme candidato ya para el Fotogramas de Plata al Mejor Actor de Televisión (si es que este formato permite su inclusión en la categoría). El actor imprime al personaje mucho carisma, sobriedad a la vez que desenfreno, mostrándonos que no sólo estamos ante una mujer arrolladora y con mucho carácter, sino que nos muestra el verdadero corazón de Paquita Salas a medida que avanza la trama.

Este es uno de los logros de la serie que han creado Calvo y Ambrosi, entre tantos momentos cómicos y el desfile de artistas y menciones referentes al mundo del cine vemos cómo el lado más dramático del personaje va aflorando y encontramos a una Paquita Salas capaz de mostrar un gran corazón, el mismo que nos ha cautivado y por el que estamos esperando ya ansiosos poder ver el resto de capítulos que conforman la serie.

Si tuviéramos que elegir qué es lo que más nos ha gustado del inicio de la serie "Paquita Salas" no sabríamos bien por qué decantarnos, si el estupendo ritmo que demuestran sus directores y su capacidad de combinar momentos cómicos con otros más emotivos o por un Brays Efe en estado actoral puro. A estos puntos fuertes se le añaden la genial química entre Brays Efe y la ayudante interpretada genialmente por la siempre genial Belén Cuesta, el momento dramático del capítulo protagonizado por Macarena García o la presencia aunque testimonial de una Raquel Meroño que siempre esperamos que vuelve a la interpretación.

Sin duda "Paquita Salas" es uno de los fenómenos del año, llamada a romper todas las reglas de la ficción española, siendo uno de los productos más inteligente, bien escritos, divertidos y emotivos que hemos visto en mucho tiempo en este formato. Espero que los altos cargos de las cadenas televisivas tomen nota por que Javier Calvo, Javier Ambrossi y Brays Efe vienen con los deberes hechos y con todo la artillería pesada.

PUNTUACIÓN:  *  *  *  *

Para ver el capítulo, entra aquí





lunes, 18 de julio de 2016

600 MILLAS "el camino de la violencia"

Este fin de semana se ha estrenado en nuestra cartelera "600 Millas" debut en la dirección de Gabriel Ripstein, hijo del director mejicano Arturo Ripstein. La película participó en 2015 en el Festival de Berlín donde obtuvo el galardón a la mejor ópera prima, premio que volvió a repetir en los Premios Ariel de la Academia Mexicana donde recibió trece nominaciones, incluyendo al mejor película y actor (Tim Roth).

Arnulfo (Krystian Ferrer) es un joven que se dedica a conseguir armas dentro del negocio del tráfico de éstas entre la frontera entre Estados Unidos y México. Hank (Tim Roth) es un agente que persigue estos delitos, cuya vida se cruzará con el joven de tal manera que deberán emprender un viaje juntos en el que para sobrevivir deberán confiar en ambos.

Tras participar como guionista en varias comedias como "Pulling Strings" o "Busco Novio para mi Mujer" y siendo hijo del mítico director Arturo Ripstein, era de esperar el salto a la dirección. Para su debut ha elegido un tema tan candente y controvertido como el tráfico de armas en la frontera entre Estados Unidos y México. Ripstein se aleja de retrato sobre quiénes están detrás de todos estos asuntos turbios y pone su mirada y la cámara en los peones, jóvenes sin mucho futuro que se juegan la vida en este negocio.

Con una apabullante y escalofriante primera escena, así es como Gabriel Ripstein pretende poner el énfasis en el delicado debate sobre las armas. Porque a pesar de que la película siga más tarde el camino fronterizo,  las imágenes sobre la facilidad de compra de armas en Estaos Unidos no hace más que recorrer un escalofrío por todo el cuerpo. Sin embargo, a pesar de un su interesante planteamiento, su cámara inquieta y la naturalidad de sus actores, llega un momento que no sabemos exactamente qué es lo que Ripstein nos quiere contar. En cuanto se suma el eprsonaje de Tim Roth a la trama, no conseguimos centrarnos en el verdadero objetivo de la película, siendo su mezcla de géneros no del todo acertada, sobre todo por la manera aséptica en que maneja las diferentes situaciones.




"600 Millas" es un más que acertado debut, con unas cuantas ideas interesantes y unos actores entregados a la causa, ni qué decir de su director que parece empeñado en demostrar el compromiso hacia su historia. El problema radica en un guión que no para de poner énfasis en la cotidianidad y el estatismo de las diferentes situaciones que les suceden a los protagonistas, donde largas secuencias en las que uno puede cerrar los ojos y descubrir que no ocurre nada. La garra y la fuerza que muestra en 3 ó 4 momentos cruciales de la película no consigue imprimirlos en el resto del metraje, haciendo que nos preguntemos hasta qué punto esos momentos álgidos de la película merezcan tanto la pena cuando se juntan con el resto.

A pesar de todo, Ripstein demuestra un buen uso de la cámara y se presenta como un buen director de actores en esta valiente, aunque no del todo bien acabada, historia sobre algo tan terrorífico como necesario de contar como es el tráfico de armas.

+ La verdad que imprime a las imágenes.
- La necesidad de alargar escenas que no lo necesitan.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  * y 1/2









sábado, 16 de julio de 2016

INFIERNO AZUL "el hombre contra la naturaleza"

Volvemos con nuestras críticas con el estreno de uno de los estrenos del fin de semana "Infierno Azul", la nueva película del director español afincado en Hollywood Jaume Collet-Serra junto a la otrora estrella juvenil Blake Lively (El Secreto de Adaline).

La joven Nancy (Blake Lively) viaja hasta una paradisíaca playa en México para disfrutar de unas vacaciones bañadas de olas y surf. Sin embargo, un gran tiburón blanco impedirá que regrese a la playa, desatando una auténtica lucha por la supervivencia.

Los comienzos en el cine de Collet-Serra, con la injustamente vapuleada pero en el fondo imaginativa y estimulante "La Casa de Cera", denotaban que estábamos no sólo ante un director de cine, un contador de historias, sino ante un creador plástico capaz de asumir cualquier tipo de encargo y llevarlo a una dimensión visual bastante alejada a lo que se suele exigir a este tipo de producción. Estamos ante alguien que es consciente de las limitaciones de los guiones que rueda, algo que no le ha impedido el haber rodado unos de los thrillers más interesantes de los últimos años, adaptándose a un cine de rápido consumo, pero con un acabado técnica y formalmente impecable, al fin y al cabo, Collet-Serra proviene del mundo del videoclip, y le importa más el cómo lo cuenta que el qué cuenta. 

En esta línea se enmarca el "Infierno Azul", en el que sumerge a una carismática y fibrada Blake Lively en una aventura y odisea protagonizada por un tiburón empeñado en acabar con la vida de la joven protagonista. Película de argumento sencillo, que bien alguien podría querer buscar algún homenaje a "Tiburón", aunque en el fondo y más allá de la sobriedad y la seriedad de la propuesta, incluso estaría más cercana a la mala leche de películas como "Sharknado" o "Open Water". Sin embargo, Jaume Collet-Serra logra con su última película algo que resulta estimable y muy aplaudible como es conseguir captar la atención del espectador durante su escasa hora y media de duración, sin que decaiga su ritmo en ningún momento, ofreciendo grandes dosis de adrenalina al espectador.





"Infierno Azul" es de esas refrescantes películas, que encuentran su hueco en los calores del estío, y no buscan más que entretener al espectador, sin grandes artificios en lo que se refiere a contenido dramático, a pesar de la pequeña historia de pérdida familiar y superación, de lo poco que realmente chirría en esta producción, estamos ante una película cargada de grandes dosis de tensión cuyo objetivo es transportar al espectador a esa playa del terror, un pequeño reducto de paz que se tornará en la peor pesadilla de su protagonista.

Tal y como decíamos antes, su director que suele estar más pendiente del cómo que del contenido de fondo, encuentra esta vez la historia perfecta para que ese "cómo" sea el verdadero logro de la película. Desde sus primeros minutos con la presentación de ese paraje paradisíaco, pasando por esas increíbles secuencias de surf (posiblemente las mejores rodadas que hayamos visto), hasta la persecución marítima del tiburón a la protagonista, le sirve a Collet-Serra para expandir su universo visual y plástico creando unas escenas muy estimulantes, siempre bañadas por esa fantástica fotografía del español Flavio Martínez Labiano, habitual de Álex de la Iglesia y presenta en el próximo éxito del cine español "El Guardián Invisible".

Posiblemente no sea la mejor película ni de la cartelera ni del año, ni tampoco pasará seguramente a la historia del cine, pero estamos ante la que sea lo más seguro la mejor película del director español y una propuesta bastante digan y entretenida, capaz de hacer sentir al espectador el terror y el pánico que experimenta su protagonista.

+ Su malsana mala leche.
- La historia familiar, podría funcionar la película sin ella.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  *




lunes, 20 de junio de 2016

RUMBOS "en el medio del camino"

Tras debutar con la fallida "Cómo Sobrevivir a una Despedida", Manuela Burló estrena su siguiente película, un proyecto que definió como algo más personal durante su paso por el Festival de Málaga donde se presentó en la Sección Oficial a Concurso.

En una noche de verano, a través del hilo conductor de un programa de radio, se dan cita en la carretera varias historias de cruzadas en las que diferentes personas buscarán encontrar su verdadero camino.

Parece, y según ha confesado su directora es cierto, que el debut en el cine de Manuela Burló iba a ser esta película de historias cruzadas en la carretera, hasta que el encargo de la alocada despedida se cruzó en su camino. Por lo tanto, tras el descalabro de aquella, esperábamos con ganas ver cómo sería ese proyecto tan cuidado, mimado y personal de la directora.

Bien es cierto que las películas de historias cruzadas son ya de por sí poco originales, se han realizado de todas las formas, colores y géneros. Culpa de los americanos y sus engendros de días de San Valentín o navideños, quitando sorprendentes excepciones como el drama de Iñárritu "Babel" o la bastante notable y vapuleada por muchos con el tiempo "Crash". Por lo tanto, para acercarse a este género hay que traer un as bajo la manga para salir airoso, eso esperábamos de la comedia romántica con tintes dramáticos de Manuela Burló.

Con un arranque muy aplaudible en el que una Pilar López de Ayala da toda una lección de interpretación en apenas cinco minutos, el resultado final dista mucho de las bases que parecía querer establecer en su inicio. Poco a poco, se va derrumbando y las historias presentadas comienzan a perder el interés, culpa de que no están todas al mismo nivel tanto de interés, escritura de guión como de carisma de sus protagonistas. Las hay bien construidas, escritas e interpretadas, algo que nos produce la sensación que como pequeños cortos separados podrían haber funcionado mejor que en su unión en este no tan complejo puzzle de historias y amores. Su guión predecible no deja ningún cabo suelto y su directora parece más atenta a que todas las historias cuadren, incluso por inverosímil que parezca, antes que ofrecer algo original y arriesgado.





"Rumbos" es una película descafeinada, que entretiene, sí, pero que no llega a tener claro hacia dónde quiere dirigir su camino. Uno no acaba de entender si es una comedia, una película romántica o un drama. Quizás su directora pensara que es como la vida misma, una mezcla de todas. Lo que ocurre es que sus historias ya vistas en multitud de otras películas, sus tópicos y ese afán por la lágrima fácil no nos dejan disfrutar de un film que bien podrá entretener a una gran parte del público, pero desde el salón de su casa, para lo que a veces parece que ha sido concebida esta película: un producto de alta calidad a nivel técnico en el que los rostros más conocidos de las series de televisión se pasean por la pantalla.

+ Pilar López de Ayala.
- Un guión predecible y lastrado de tópicos.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *



domingo, 19 de junio de 2016

CAPITÁN KÓBLIC "el peso del pasado"

Este fin de semana llega a los cines la coproducción hispano-argentina "Capitán Kóblic" de Sebastián Borensztein, que participó en el pasado Festival de Málaga donde obtuvo dos premios: actor secundario para Óscar Martínez y mejor fotografía.

El capitán Kóblic (Ricardo Darín) participó en los tiempos de la dictadura Argentina en los "vuelos de la muerte". Sin embargo, un día decide dejar atrás todo y para huir de sus enemigos se refugia en una pequeño pueblo que vive gobernado por la ley del comisario Velarde (Óscar Martínez), que creerá ver peligrar sus oscuros negocios por la presencia de Kóblic.

Tras el éxito cosechado con "Un Cuento Chino", tanto de público como crítica, Sebastián Borensztein cambia radicalmente de género y se atreve con un tema tan controvertido en toda filmografía de cualquier país que haya sufrido una dictadura. Heridas aun por cerrar, temas controvertidos de los que hablar, la conciencia de un país bajo la lupa del cine siempre resulta espinoso. Sin embargo, a pesar de que el punto de partida de la película son los "vuelos de la muerte", en los que ha participado el personaje interpretado Ricardo Darín, "Capitán Kóblic" no podría calificarse como un film política, casi menos de denuncia, y se presenta como un thriller con tintes de western sobre un hombre que huye de su pasado y sus propios fantasmas.

Como veníamos subrayando, la película de Borensztein nos sumerge en una atípica película del oeste, donde todos sus componentes están presentes, desde el pueblo inhópsito con su sheriff de poco fiar, sus aldeanos temorosos, la chica deshonrada en busca de salvación,y, sí, sus duelos y pistolas. Sentadas las bases de la película de dicha manera, su director se sirve de ellas para retornar en el fondo al leiv motiv de la película, un análisis bastante logrado sobre la culpa, los remordimientos y la cobardía. Porque nuestro antihéroe en ningún momento va detrás de la salvación, sino de un camino sin retorno en el que tanto sus fantasmas interiores como sus enemigos van detrás de él, a pesar de encontrar un pequeño de reducto de paz en el personaje de una Inma Cuesta que nos consigue engañar con su excelente acento porteño.





Este extraño cruce entre "El Secreto de sus Ojos" y "La Isla Mínima" resulta una curiosa e interesante película, a la que bien se le puede echar en cara que en la mitad de su metraje pierde gas y algo de fuelle, pero que gracias a su guión sólido y la firme dirección de Borensztein se muestra convincente, tanto en el análisis interior sobre la culpa humana, como en los "ligeros" retazos que da sobre la dictadura argentina como de su sistema corrupto, sin mostrarse en ningún momento maniqueo ni sensacionalista. Hay que valorar la valentía de mostrar (creemos que por primera vez en cine), los terribles "vuelos de la muerte", en los que tantas personas perdieron su vida.

"Capitán Kóblic" seguramente no sea la mejor película sobre la dictadura argentina, tampoco lo pretende, sin embargo sus logros artísticos, desde una fotografía hermosa e inquietante, pasando por la partitura de un siempre maravilloso Federico Jusid, hacen que nos creamos a este trío de personajes encerrados en un momento equivocado, desde un siempre intenso Ricardo Darín, el premiado en Málaga Óscar Martínez o una Inma Cuesta, que seguramente sea la que se lleve la palma en esta historia adornada con toques de thriller, pero que en el fondo aborda temas que podrán incomodar a más de un espectador, porque una dictadura siempre es una dictadura, da igual el color o la ideología de ésta.

+ Su tono oscuro y desolador.
- Su tono de película menor es difícil no verlo.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  *


domingo, 12 de junio de 2016

FÁTIMA "todas las mujeres"

Entre las películas que puedes encontrar en la cartelera os hablamos de "Fátima", la última gran triunfadora de los Premios Cèsar donde se impuso a otros titanes como "Dheepan", "Mustang" o "Mi Amor", consiguiendo el premio a la mejor película, guión adaptado y actriz revelación (Zita Hanrot).

Fátima es una mujer musulmana e inmigrante que vive en Francia con sus dos hijas, una adolescente rebelde que se niega a seguir las tradiciones y una joven promesa de la medicina. A través de su duro trabajo como limpiadora luchará por sacar adelante a su pequeña familia, a la vez que intentará descubrir sus lugar en el mundo.

Centrada en un momento sociopolítico como el asunto de la inmigración en Europa, sobre todo en Francia, y en cuestiones tan actuales como la integración cultural y la crisis de los refugiados de Siria, Philippe Faucon nos sumerge en el núcleo de una familia de inmigrantes musulmanes formada por la Fátima del título y sus dos hijas. Sin embargo, el relato se aleja bastante del cine de crítica social al que nos tiene acostumbrado nuestros vecinos galos, acercándose más a un retrato intimista y reflexivo sobre los lazos familiares y la importancia de la comunicación.

Philippe Faucon se sirve de una cabeza de familia musulmana y practicante, limpiadora del hogar, mujer de mil y un trabajos, que hará todo lo que sea con tal de sacar adelante a sus dos hijas y darles la mejor educación posible. Ahí es donde triunfa "Fátima", evita el maniqueísmo y se centra en un retrato certero y realista de la dura vida de esta mujer, reflejo perfecto de tantas mujeres que se desloman desde que sale el sol para darle a su familias todo lo mejor.

Una película narrada sin grandes artificios, desprovista de música o de un montaje electrizante, que se apoya en un guión sólido y un seguimiento de personajes que roza el voyerismo en el sentido que posa la mirada sobre las aparentes superfluas cotidianidades de los tres personajes principales para construir en el fondo un atractivo, inteligente y profundo mosaico sobre las relaciones materno filiales. Un reflejo delicado e inteligente de una sociedad construida por personas de diferentes lugares y lenguas, en la que las barreras emocionales del lenguaje pueden emerger desde dentro de la propia familia.



Más allá de las cuestiones sociales o religiosas, Philippe Faucon se lanza de lleno en un homenaje a todas y cada una de esas mujeres que silenciosamente hacen que nuestros hogares o trabajos reluzcan. Mujeres semi transparentes para la sociedad, que con su duro trabajo no pretenden más que ofrecer algo mejor a sus descendientes, la vida que ellas no pudieron llevar. Para ello explora estas cuestiones desde tres ópticas diferentes, perpendiculares en su recorrido como son la de la propia Fátima luchadora y el contrapunto de sus hijas: la responsable y la rebelde. Sus reflexiones, sus actos, el modo en que se sitúan en la sociedad ya no como hijas de inmigrantes, sino como mujeres, es uno de los grandes logros de "Fátima", una perfecta oda a la mujer luchadora.

Reposada en su ritmo, Faucon se sirve de un cuenta gotas en la narración para ir dosificando la información necesaria para que el propio espectador sea quien saque sus propias conclusiones en este drama nada fatalista ni sensiblero que conseguirá tocar la fibra sensible a cualquier persona que se acerque a descubrir a esta mujer luchadora, valiente, con sus propios miedos, reflejo de todas y cada una de las mujeres que sacan adelante a sus familias sin importar país, religión o cultura.

+ Su compleja simplicidad.
- Resulta algo corta en su metraje.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  *  y 1/2








miércoles, 1 de junio de 2016

ACANTILADO "el sonido del silencio"

Llega a los cines la nueva película de la navarra Helena Taberna "Acantilado" que se presentó en el pasado Festival de Málaga en la Sección Oficial Fuera de Concurso, allí estuvieron presentes tanto la directora como gran parte de su equipo: Daniel Grao, Juana Acosta e Ingrid García-Jonsson, que no pudieron contar con el apoyo de Goya Toledo y Jon Kortajarena, que también tienen un papel en la película.

Un joven fiscal de País Vasco (Daniel Grao) es avisado por la desaparición de su hermana (Ingrid García-Jonsson) en Gran Canaria, después de haber estado metida en una secta. Allí buscará la verdad junto a la inspectora del caso (Goya Toledo) y una antigua amiga de su hermana (Juana Acosta).

Helena Taberna tiene una de las carreras más interesantes de los directores que han emergido en los últimos veinte años. Poco prolífica en el cine, dos documentales y tres largometraje de ficción entre los que se encuentra la actual "Acantido", pero no por ello poco interesante una trayectoria que por lo general ha estado ligada a la historia y cultura navarro-vasca. Aunque parezca difícil encontrar un punto común entre sus películas, todas ellas abordan al fin y al cabo cuestiones como la familia o la pertenencia y exclusión del grupo tanto familiar como social

Para hablarnos de estos temas Taberna adapta libremente la novela de Lucía Etxebarría "El Contenido del Silencio", adentrándose en el oscuro y tenebroso mundo de las sectas y el poder que ejercen en las personas. En esta ocasión se traslada hasta Canarias, lugar donde han emergido en los últimos tiempos gran cantidad de estos grupos, habiendo tenido lugar suicidios colectivos, brutal y espectacular punto de partida de"Acantilado".

A modo de película de investigación y grandes dosis de thriller Helena Taberna intenta meterse en la "mente del asesino" y va colocando poco a poco las piezas del puzzle que conforman el misterio de la película.  En esta historia se explora el submundo de estas sectas, y resulta curioso el enfoque que le ha dado la directora navarra, no vemos ni un atisbo de oscuridad ni penumbras, tampoco ritos violentos mezclado con sangre y sacrificios humanos. Todo lo contrario, a través de una fotografía luminosa nos presenta un grupo que se dedica a cultivar plantas, divertirse y realizar relajación y reflexiones muy New Age, hasta que la verdadera naturaleza del lobo aflora y salen a relucir sus verdaderas intenciones. Esta visión no hace más que hablarnos del poder que ejerce la necesidad de pertenecer a un grupo, la sensación de soledad y de falta de rumbo en la vida, caminos que explora detenidamente su directora como segundas capas en este aparente thriller.




Rodada con bastante gusto, la directora le aporta la suficiente tensión y sensación de inquietud para que el espectador sienta la angustia e inminente sensación de peligro que requiere la historia. A través de unos flashbacks, bastante bien entremezclados con la historia, vamos recorriendo el camino de búsqueda de la hermana del protagonista interpretado por Daniel Grao, a la vez que de búsqueda personal de éste, un personaje atormentado cuyos silencios esconden misterios y hablan bastante de algo oscuro que nunca se nos revela.

Quizás "Acantilado" no sea el thriller del año, tampoco la mejor película de Helena Taberna, errores de dirección y guión tiene, sí, también una resolución tramposa que no está a la altura del resto del conjunto, pero estamos ante una película que conseguirá ponerle a más de uno los pelos de punta gracias a una atmósfera muy cuidada en la que los contrastes de su fotografía convierten a Gran Canria en un hermoso pero siniestro lugar donde desarrollar esta historia de sectas. ¡Ah! Y siempre es un placer poder escuchar las hermosas partituras de Ángel Illarramendi, uno de los mejores compositores que hayan existido en la historia del cine.

+ Las segundas capas y lecturas que esconde el thriller.
- Su tercio final, irregular y tramposo.

PUNTUACIÓN TOTAL:   *  *  *


lunes, 30 de mayo de 2016

CORAZÓN GIGANTE "más allá del prejuicio"

Hace ya un par de semanas que se estrenó en cines, y no podíamos pasar la ocasión de hablar de "Corazón Gigante" de Dagur Kári. La película ha pasado por varios festivales donde ha recibido un gran recibimiento, entre los premios conseguidos están el de Mejor Actor (Gunnar Jónsson) en la pasada edición de la Seminci o el de Mejor Película en el Festival de Tribeca.

Fúsi (Gunnar Jónsson) es un cuarentón obeso que no ha conseguido romper los lazos con su madre, con la que vive, además de llevar una vida monótona y tener un trabajo aburrido. Sin embargo, tras todo ese aparente sufrimiento se esconde una persona que no para de ayudar silenciosamente al prójimo sin recibir nada a cambio. Su vida dará un giro insospechado cuando conozca a una misteriosa mujer que le hará creer otra vez que segundas oportunidades son posibles.

Directa desde Islandia nos llega la quinta película de Dagur Kári, que está siendo estrenada y "arrasando" en medio mundo con esta historia de un solitario y entrañable pequeño hombretón. Pequeño en el sentido de cómo el personaje se siente por dentro, lo que él cree que es, porque esta película nos habla de prejuicios, primeras impresiones, pero también nos habla de algo tan sencillo como a la vez de complicado como el amor. El amor entendido no sólo de manera romántica, el amor en el gran sentido de la palabra, herramienta que mueve el mundo y la vida de este hombre maduro que a su edad no ha conseguido emanciparse y llevar una vida "normal".

Y, ¿qué es la normalidad? "Corazón Gigante" despeja cuestiones como estas, porque a pesar de que deberíamos acongojarnos al poder vernos retratados en el protagonista, un cuarentón pasado de kilos que vive con su madre en una vida rutinaria y monótona. Pero, la mirada de Dagur Kári, falta de prejuicios y llena de luminosidad, nos demuestra que nuestro personaje vive feliz en esa aparente pequeña existencia, porque lo que lo hace grande no es sólo su tamaño, sino la capacidad de ayuda y generosidad que desprende por los cuatro costados, ayudando sin pedir nada a cambio, recibiendo mazazos sin buscar el enfrentamiento.





"Corazón Gigante" es una de esas películas que parecen pequeñas desde lejos, pero cuando uno sale de su proyección se da cuenta que es de las que nos hacen creer en el ser humano. Lo consigue a través de un personaje de los que echamos en falta en infinidad de películas, bien escrito, genialmente dirigido, mejor interpretado si cabe. Dagur Kári ha conseguido representar a la figura que ejemplariza a la perfección la tesis de "dar la otra mejilla", llevada al extremo, porque hay situaciones en las que nos gustaría saltar a la pantalla y echarle una mano a nuestro protagonista. A pesar de las mil y una-aunque no son tantas-situaciones humillantes o desastrosas por las que hace caminar al personaje que da nombre en el título original de la película, nunca la mirada de Kári se muestra maniquea, falta de verdad o impostada. A través de su inteligente dirección de fotografía conseguimos tomar la distancia suficiente entre espectador y protagonista como para que tengamos a veces la sensación de estar espiando a alguien real, la frialdad de algunas de sus situaciones no hacen más que crear veracidad, alejándose del punto de vista sensiblero y lacrimógeno.

Estamos ante una película diferente, que sólo le pide un poco de paciencia al espectador para que cuando su planteamiento quede bien asentado uno no pueda separar la mirada de la pantalla, deseando saber de esta manera los derroteros por los que se va a desarrollar la historia de uno de los personajes mejor escritos del cine actual, que el magnífico Gunnar Jónsson ha conseguido imprimir el patetismo y ternura suficiente como para que cualquiera se lo quiera llevar a casa. A través de este personaje Dagur Kári diseccione temas muy actuales de cualquier sociedad, no sólo la islandesa, obteniendo un resultado muy interesante en el que trata temas como la soledad, la sobreprotección paternalista, la deshumanización de las relaciones personales e incluso pasa de cerca por algún asunto tan espinoso como el acoso laboral o el abuso a menores.

+ Su total falta de contemplación.
- Alguna situación resuelta con excesiva rapidez.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  * y 1/2



domingo, 29 de mayo de 2016

EL HOMBRE QUE QUISO SER SEGUNDO "los primeros misterios del cine"

Tras un estreno técnico en 2015, por fin se estrena en nuestros cines "El Hombre que quiso ser Segundo", documental de ficción sobre una de las figuras más misteriosas, relevantes y a la vez olvidadas de la historia del cine: Segundo de Chomón.

Este documental sigue los pasos de Segundo de Chomón y la peculiar relación que tuvo con su gemelo Primo. Segundo fue uno de los pioneros del cine, creador de importantes trucajes, precursos del cine de animación y figura relevante que estuvo casi a la altura de otros como Méliès o Pastrone. Pero, ¿por qué no ha pasado a la historia como estos? ¿Qué lugar tuvo en ello su misterioso hermano Primo?

El arte, la literatura o el cine han sentido una atracción por escudriñar las relaciones fraternales, los lazos que entre hermanos se pueden establecer y cómo éstos pueden influenciar en la vida de cada uno, siendo de mayor interés cuando los hermanos son gemelos o mellizos. Investigar las dos caras de la moneda, descifrar los secretos códigos que se establecen entre aquellas personas que nacieron el mismo día y de la misma madre.

Ramón Alós se lanza de lleno sobre estas cuestiones con uno de los personajes más importantes de la historia del cine, Segundo de Chomón, que sin embargo no ha logrado el suficiente reconocimiento en el mundo del cine. Este documental sigue los pasos de uno de los creadores y mayores innovadores en los albores del cine, pero poniendo la mirada en el enigma de Primo de Chomón, el gemelo mayor.

"El Hombre que quiso ser Segundo" es una película emocionante, un perfecto y cuidado retrato de una época, que muestra el interés y el amor de unos cientos de personas en la creación y desarrollo del séptimo arte. A través del retrato de Segundo de Chomón, nos muestra a varias de esas personas relevantes de la época que se cruzaron en la vida del aragonés como Georges Méliès, los hermanos Pathé o Giovanni Pastrone, personajes que sí han pasado a la historia del cine, sin embargo, estos precisaron del trabajo de Chomón para conseguir sus resultados.





Este extraño documental de ficción es todo un canto de amor al cine, poniendo una entrañable mirada a esos tiempos ingenuos. A través de extractos de obras de esa época, cualquier amante y curioso del cine podrá (re)descubrir las bases de los que el llamado séptimo arte es hoy en día. Trucos visuales, inventos de fotografía y pequeñas grandes innovaciones son las que descubrimos en la película de Ramón Alós, a la vez que investiga la misteriosa figura del hermano que siempre condicionó la vida y obra de Segundo de Chomón.

Uno de los puntos fuertes de esta película es el halo de misterio que su director le imprime a la historia, como si estuviera tratando del mayor enigma de la historia del cine. ¿Quién fue realmente Segundo? ¿Existió su hermano gemelo Primo? ¿Por qué uno de los creadores más imaginativos del cine nunca llegó a poder realizar las obras a las que estaba destinado? Todas estas cuestiones son las que trata la película, que comienzan a multiplicarse en un momento en el que la historia tomar incluso ciertos tintes de suspense, rodeados siempre de un aroma de amor al cine.

Puede que no todos los elementos utilizados estén al mismo nivel narrativo: la dramatización histórica funciona, el falso documental de la investigación también, aunque su tramo final técnicamente decaiga y le reste algo de credibilidad. Sin embargo, sus pequeños fallos no impiden disfrutar de uno de los debut más sorprendentes del cine español, una de las películas españolas más interesantes del año, un documental que ningún amante del cine debería perderse que supone un más que arriesgado trabajo que se sirve de muchos elementos para contarnos la historia más grande jamás contada: el nacimiento del cine.

+ El romanticismo que imprime a sus imágenes.
- Alguna dramatización de Enrico Vecchi en su tercio final.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *  * y 1/2




jueves, 26 de mayo de 2016

EL PAÍS DEL MIEDO "de riesgos y decepciones"

Tras mucho retraso desde su rodaje y haberse presentado el año pasado en el Festival de Málaga, llega a nuestros cines esta película sobre el bullying y el miedo que consiguió una nominación en los Goya a la Mejor Canción.

Un padre (Jose Luis García-Pérez) ve cómo su hijo está sufriendo bullying por parte de una niña de su colegio. En vez de afrontar la situación decide encubrir a su hijo de cara a su madre, haciendo que se convierta el propio padre en una nueva víctima de la acosadora.

El cine se conforma de sensaciones, emociones y sentimientos que nos hacen reaccionar, tanto a primera vista como a lo largo del tiempo. Cuando uno ve una película siempre saldrá con una reacción que el tiempo puede cambiar, para bien o para mal. Aquella película que tanto nos gustó en una primera instancia y luego fue perdiendo fuelle como si por culpa del viento se fueran desvaneciendo los buenos recuerdos. O por el contrario, ese film que tan poco nos gustó y que tras una meditación pausada nos lleva a pensar que quizás era mejor de los que sentimos en aquel primer momento. 

Y, ¿por qué comenzamos con esta reflexión? Sencillamente, hace más de un año que asistimos al pase de "El País del Miedo" en el Festival de Málaga, y no nos gustó. Sin embargo, tras haberla comentado, reflexionado y haberle dado el tiempo necesario para ver si borrábamos de nuestra mente ese primer recuerdo, no podemos decir más que no ha sucedido. Nuestro recuerdo no se ha dulcificado, tampoco empeorado, tan sólo seguimos manteniendo que el debut de Francisco Espada no es más que una película fallida, con un buen planteamiento y una historia que podía prometer. Sin embargo, el excesivo temor a profundizar o el lastre de su superficialidad no han contribuido para que nuestro recuerdo mejore.

Como antes señalábamos, "El País del Miedo" parte de una premisa interesante: un padre que se acaba convirtiendo en la víctima de quien acosa a su propio hijo. Con este material Francisco Espada podría haber investigado, haberse adentrado en la mente tanto de los acosadores como de sus víctimas, haber ahondado en las verdaderas causas del miedo, de lo que presumiblemente habla la película. Sin embargo, su guión forzado, sus diálogos caricaturescos y las situaciones inverosímiles no contribuyen a sentir esa veracidad que necesitaban sus personajes.





Unos personajes que viven en el miedo, que no salen de su área de confort, que no se atreven a dar la cara a esos miedos que no hacen más que encerrarlos en una vida confortable, pero aburrida. Francisco Espada no ha sabido imprimirle la personalidad necesaria a los protagonistas, tampoco al conjunto de la película, que no pasa más allá de un look televisivo que poco le favorece, con una sensación de estar siempre viendo algo estático.

A pesar de todo, "El País del Miedo" es una película que se podrá ver con facilidad, tampoco ofende, en la que además podemos encontrar una gran interpretación del siempre magnífico José Luis García-Pérez que defiende su personaje y resulta sobresaliente en todo momento. Por lo demás, no podemos decir más que el tiempo no será capaz de borrar esa sensación de decepción con la que salimos del pase de prensa hace ya más de un año en el Festival de Málaga.

+ José Luis García-Pérez.
- Su falta de riesgo y de verdad.

PUNTUACIÓN TOTAL:  *  *