Entrevista a Ana Rodríguez Rosell "quería hacer una película sobre redención y segundas oportunidades"

El viernes pasado se estrenó en cines "Falling", la segunda película de Ana Rodríguez Rosell, que llamó mucho la atención con su debut "Buscando a Eimish", siendo nominada a la Mejor Dirección Novel y Mejor Música Original en las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos.

Ana Rodríguez Rosell, directora de "Falling".

     
Con motivo del estreno de "Falling" hemos estado hablando con la directora, con el resultado de esta entrevista que ahora publicamos. "Falling" se estrenó el fin de semana pasado de la mano de European Dreams Factory, y está protagonizada por Emma Suárez y Birol Ünel. Si quieres conocer los cines donde se proyecta, entra aquí.



-Comencemos por el nombre de la película, FALLING, ¿qué quieres transmitir con este título tan potente, y además en inglés?

FALLING APART significa desintegración, separación. FALLING STAR es estrella fugaz. FALLING IN LOVE, enamoramiento. FALLING trata de una pareja, ya divorciada, que pasan 24 horas juntos. Es la condición que ASLAN (León) pone a ALMA (corazón) para entregarle la casa que han compartido durante más de 20 años. Este es el tiempo del que dispone ASLAN para cambiar los recuerdos de ALMA sobre la vida que han pasado juntos.

-Estamos ante tu segunda película tras el buen recorrido que tuvo “Buscando a Eimish”, que hablaba de una pareja más joven, ahora estamos ante un matrimonio ya más maduro, ¿por qué este salto de edad?

"Falling" habla del amor, de la vida y de la muerte. De lo importante que es sentir que has vivido bien tu vida. Habla de la redención. Y de la posibilidad de reecontrarse "luego" en otra vida.

-Tu película anterior se estrenó en 2012, estamos a punto de acabar 2016. Han pasado cuatro años desde entonces, ¿ha sido por elección o cuesta sacar adelante una película en este país?

Además del tiempo que sin duda cuesta levantar una película en España, a mí me cuesta mucho darlas por acabadas. 

-Se habla de que en España resulta “fácil” realizar la primera película para un director, sobre todo a nivel de ayudas y de producción. Cuando el debut ya está estrenado, ¿cuesta poder llevar a cabo un segundo proyecto?

Creo que en 2011 era más fácil hacer cine en España que en 2014, que es cuando comenzamos a buscar financiación para “Falling”. Este aspecto seguro que tuvo mucho que ver. A través de Emma Suárez conocí al productor dominicano Gabriel Tineo, que entró en coproducción de “Falling”, lo que hizo posible la financiación de la película.

-En muchos medios has hablado que en “Buscando a Eimish” viste una gran química entre Emma Suárez y Birol Ünel, y que esta película está escrita por y para ellos. ¿Es esto cierto?

¡Claro! Para mí era un sueño rodar con Emma Suárez y Birol Ünel.

¿Por qué elegiste República Dominicana para situar la acción de FALLING? ¿Crees que podría haber funcionado igual de bien si la hubieras situado en algún otro lugar?

Con la entrada de Gabriel Tineo en “Falling”, llegó República Dominicana. Una vez allí, en las localizaciones, me dí cuenta de que ERA EL SITIO. Estábamos en el escenario ideal. Buscábamos un universo vivo, lleno de energía, que ayudase a ASLAN en su complicado objetivo. Las Terrenas era el lugar. Ese mar.....ese cielo.....esas estrellas....se te ponían los pelos de gallina.

Emma Suárez y Ana Rodríguez Rosell.

-¿Qué tienen Birol Ünel y Emma Suárez para que haya tanta complicidad y química entre ellos?

Son grandísimos actores y personas con mucho carisma y muy únicos. Se entendieron inmediatamente.

-Emma Suárez está viviendo su gran año, con FALLING es su cuarta película estrenada en 2016. ¿Te sientes parte de ese movimiento que ha “rescatado” a una de las mejores actrices españolas, y que sin embargo llevaba demasiado tiempo sin tener grandes personajes como este?

No creo que Emma haya sido “rescatada”. Ella siempre ha estado ahí. Ella elige los proyectos en los que se mete.

-¿Por qué la elección desde “Buscando a Eimish” de Birol Ünel? ¿Qué tiene el actor que tanto te guste?

Todo. Tiene mucha fuerza. Mucho magnetismo. Desde que vi “Contra la pared” quería trabajar con él.

-La película sitúa a un matrimonio ya deshecho, que vivió gran parte de su vida en Berlín, y durante todo el metraje se hacen alusiones a su vida pasada. ¿Podría existir una posible película que narrara estos hechos? ¿O prefieres que esa parte quede en la mente e imaginación del espectador?

De momento, no. Estoy metida en otros proyectos.

Birol Ünel y Ana Rodríguez Rosell

-FALLING es una película sobre reencuentros, desamor, pero sobre todo amor. ¿Querías hacer una película sobre segundas oportunidades?

Quería hacer una película sobre redención. Y sobre segundas oportunidades, y terceras, y cuartas....mientras hay vida hay esperanza.

-Tras ver la película, se puede observar que este es un proyecto muy íntimo, personal. ¿Cuánto hay de ti en los personajes y en la historia?

En “Falling” no soy capaz de diferenciar entre lo que hay de mí en la película y lo ficcionado. Es un proyecto tremendamente personal.

-¿Puede ser que esa mirada tan personal de FALLING se deba a estar realizada por una mujer?

Puede ser. “Yo soy yo y mis circunstancias”.

-¿Hay suficientes películas hechas por mujeres en este país?

Menos de las que debiera.

-¿Cómo crees que puede reaccionar el espectador ante una historia como FALLING?

Creo que las reacciones pueden ser de diversos tipos. “Falling” tiene un ritmo pausado.  El tiempo es muy importante en la película. Hace mucho que no se ven y hay muchos temas no resueltos. Mucha tensión. Es importante que el espectador se acerque a ellos y les acompañe durante la película. Merece la pena.

Ana Rodríguez Rosell y Lucia Gonzalez Barandarián de European Dreams Factrory

-¿Qué sentimientos buscas despertar en el espectador?
Mostrarles que nunca es tarde.

-¿Qué ha supuesto para ti el viaje que has atravesado con FALLING? ¿Qué te llevas de la película y esta experiencia?

Me llevo un sueño realizado.

-¿Tienes algún proyecto en mente en estos momentos?

Sí.

-En estos días estarás respondiendo muchas preguntas por parte de compañeros de la prensa, pero seguro que hay algo que ninguno te hemos preguntado sobre FALLING, y que te mueres de ganas de contar.

Quiero hablar del apoyo de European Dreams Factory, los distribuidores de la película, a los que considero amigos, en especial quiero agradecer a Lucía Gonzásez Barandarián, por toda la energía que ha metido y lo bien que nos lo hemos pasado. Quiero agradecer a todos los amigos que nos recibían con los brazos abiertos en cada uno de los festivales y proyecciones a los que acompañamos “Falling”, en Rabat, Huelva, Londres, Cuenca, Barcelona....ha sido un verdadero placer y nos habéis hecho sentir en casa. Gracias a los profesionales que entrasteis al final del proceso y metisteis vuestro talento y energía. Gracias a la Embajada Dominicana por sentirla vuestra, y a Ron Brugal y al restaurante Kukaramakara por la maravillosa fiesta del pre-estreno. El apoyo personal ha vital para “Falling”.

-Para finalizar, ¿qué se va a encontrar un lector de “La Industria del Cine” cuando entre a ver FALLING?

Se encontrará con una película de grandes actores, en un set mágico y un gran propósito: cambiar el pasado. 

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FESTIVAL SAN SEBASTIÁN 2015 "AMAMA eleva el nivel de la Sección Oficial con su lirismo mágico"

En nuestra segunda jornada del Festival de San Sebastián hemos tenido que bajar la intensidad de películas vistas, no porque hayamos querido, sino porque teníamos entrevistas concertadas y ya se sabe qué ocurre, te citan a una hora y acabas realizando la entrevista dos después. A pesar de ello, en esas esperas ocurren cosas como que por casualidad acabes siendo el primero de toda la prensa en entrevistar a los hermanos Larrieu que presentaban "21 Nuits avec Pattie (21 Noches con Pattie)", sólo había que estar en el sitio y la hora adecuada, aunque todo por casualidad.

¿QUÉ HEMOS VISTO?

SECCIÓN OFICIAL

21 NUITS AVEC PATTIE (21 NOCHES CON PATTIE) de Jean-Marie y Arnaud Larrieu.

Ayer no empezamos nuestra jornada en el Kursaal, sino que tuvimos que acudir al teatro Victoria Eugenia para la presentación de la película de los hermanos Larrieu, conocidos por "Los Últimos días del Mundo".

Esta pseudo comedia fantástica francesa narra la historia de una parisina, interpretada por la siempre guapa y carismática Isabelle Carré, que ha de acudir a un pueblo a enterrar a su casi desconocida madre, una mujer aventurera y sexualmente abierta, de la cual apenas sabía nada. Todo se precipitará cuando el cuerpo de la difunta madre desaparezca y nadie sepa qué ha podido ocurrir.

La película es una comedia con ciertos toques de drama con ciertos aires de fantasía, algo con lo que ya habían jugado los hermanos Larrieu en anteriores filmes. Comienza de una manera fresca y divertida, presentando unas situaciones para nada comunes y bastante distópicas, algo que caracteriza el gran conjunto de la película. Sin embargo, la película a pesar de girar en torno a la defunción de la madre de la protagonista, no es un alegato ni una crónica sobre la muerte. Aunque parezca extraño es un relato que gira en gran parte en torno al sexo, a la libertad y cohibición y la forma en que su exceso o su falta nos define. Para ello utiliza el personaje de la Pattie del título, que como nos han contado sus directores en la entrevista "la historia surgió a través de los relatos sexuales de alguien que realmente existe",para luego crear la historia de la protagonista y su madre muerta.
Esto es algo que se puede ver en la forma en que se desarrolla la película, que a través de dichas historias de Pattie (Karin Viard) vemos cómo la protagonista va solucionando todas sus carencias tanto a nivel afectivo con su difunta madre, como los problemas de inhibición que sufre en su matrimonio.

"21 Nuits avec Pattie" es una película desenfadada, divertida, para nada perfecta, quizás notable, pero que cuenta con uno de los guiones más inteligentes y divertidos que hemos podido escuchar hasta el momento en San Sebastián, ojo que no se lleve dicho premio, a la espera de ver otras películas todavía.

+ La naturalidad a la hora de abordar el sexo.
- Se estanca argumentalmente en su tercio final.

PUNTUACIÓN TOTAL: 6,5/10


SPARROWS de Rúnar Rúnarsson.

Sin haber comida más que medio tomate y poco de pavo acudimos al pase de "Sparrows" esperando que merezca la pena el esfuerzo de ver ésta película islandesa del director de "Volcano" que narra la historia de un adolescente que se muda con su casi desconocido padre a un pequeño y cerrado pueblo.

Una historia iniciática, otra más de las tantas que copan los cines año tras año, de la que se espera que aporte un punto de vista diferente, que cuente algo que no nos imaginemos ya o no hayamos visto anteriormente. Sin embargo, ésto que deseamos no ocurre y vemos que estamos ante otro relato sobre los problemas de la adolescencia bañado en alcohol, drogas, amistad y un despertar sexual más que peligroso.

En defensa de la película diremos que no resulta aburrida, se puede ver perfectamente e incluso tiene algún que otro momento en el que la brillantez pretende salir, pero el exceso de pulcritud y la mirada fría que ha tomado su director para contarnos esta historia no hace más que encontremos "Sparrows" como una película distante, que a pesar de alguna que otra escena de alto contenido dramático no podamos sentir la rabia que intenta trasmitir a través de este adolescente.

Rodada en una Islandia que se aleja del tópico de los paisajes preciosistas y se acerca más a un paraje desolado, intentando de esta forma acompañar a lo que siente su protagonista, interpretado por un joven Atli Oskar Fjalarsson que compome un personaje con muchos matices y damos nuestra enhorabuena pero que por culpa de la poca valentía de su director, no logramos empatizar en exceso con él. Quizás eso sea lo que haga que "Sparrows" falle, que aunque contenga alguna que otra dura escena no consigue transgredir y remover nada por dentro, como si Rúnarsson demostrara estar muy cómodo en el área de confort sin atreverse a arriesgar. Porque aunque la realidad puede ser cruda, mostrarla tal y como es a veces no es suficiente, hay que dar un paso más allá.

+ El recurso musical le hace ganar puntos.
- La falta de riesgo.

PUNTUACIÓN TOTAL: 5,25/10

AMAMA de Asier Altuna.

Nuestra tercera y última película del sábado era la tercera incursión en el cine del director Asier Altuna, siendo además la tercera vez que compite en el Festival de San Sebastián. Había mucha expectación en ver "Amama" tras la sorpresa que supuso el año pasado "Loreak" que aunque no ganó nada en el Palmarés, ha tenido una larga trayectoria de premios. Muchos han intentado comparar ambas películas debido a su estética o algún punto en común con la tradición del País Vasco.

Dejemos comparaciones aparte, cada película es un mundo y hay que verlas en general sin tener en cuenta otras debido a que puede distorsionar el concepto de una sobre otra. 
Centrándonos en "Amama" tenemos que decir que hasta el momento es la mejor película de la Sección Oficial, muy por encima de la mayoría de sus competidoras, aunque no queremos precipitarnos porque tan solo llevamos dos días.

Altuna nos lleva a un viaje sensorial en el Euskadi más rural y en lo que supone el núcleo más importante como puede ser un caserío en medio de un bosque. Un bosque en el que los tres hijos del patriarca han crecido y de una y otra forma se sienten apegados. Pero, el vínculo más importante para ellos es la amama, la abuela del título, que supone el verdadero y silencioso centro de la película.

"Amama" es un cuento onírico sobre las relaciones de familia, las raíces que siembras nuestros progenitores y cómo nos condicionan las decisiones de la vida adulta. Además, la película está narrada con un halo de misterio y misticismo que nos ofrecen una serie de imágenes de unión de el hombre con la naturaleza que suponen toda una delicia para los sentidos, apoyadas de un estupendo trabajo técnico en el que fotografía, música y montaje se unen para poder disfrutar de una de las películas más estimulantes de este año. 

Sin ser una obra perfecta, con a veces un exceso de intensidad poética que podrá no ser del gusto de todos los espectadores, "Amama" supone una pequeña joya que demuestra que el cine en el País Vasco está tomando en los últimos años un buen rumbo y deberemos estar atentos a algún que otros premio en el Palmarés.

+ Las sensaciones que producen sus imágenes.
- Un exceso de intensidad.

PUNTUACIÓN TOTAL: 8/10

¿QUE VEREMOS HOY?

Hoy volvemos a la intensidad en número de películas del primer día y veremos ·"Eva no duerme", el documental "Hitchcock/Truffaut", "La Vida Sexual de las Plantas", "Trois Souvenirs de Majeunesse", "High Rise" y la presentación de "El Desconocido" con Luis Tosar.
Además, entrevistaremos a Asier Altuna, director de la ya comentada "Amama".

LO MÁS DE LA JORNADA DEL DOMINGO 20

Lo Más...
-divertido: los relatos de las aventuras sexuales de la coprotagonista de "21 Nuits avec Pattie".
-lírico y poético: las imágenes de "Amama".
-frío: la estética de "Sparrows".
-bizarro: las escenas de sexo de "Sparrows".
-cómplice: la entrevista con los directores de "21 Nuits avec Pattie".

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Video-entrevista a Carlos Vermut "Magical Girl es una película de amor"

Lo prometido es deuda y después de tantos meses desde que realizáramos la entrevista a Carlos Vermut, director de Magical Girl, en el Festival de San Sebastián por fin os la podemos mostrar.
Tuvimos una charla muy agradable con el director, el día previo que recibiera la Concha de Oro a la Mejor Película y nos mostró a una persona tranquila, inteligente y con mucho sentido del humor.
Esperamos que os guste esta entrevista que podéis disfrutar en nuestro canal de Youtube.

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Raúl Arévalo "trabajar con Alberto Rodríguez ha sido mi gran regalo"

El pasado Festival de San Sebastián pudimos entrevistar tanto al director como al protagonista de "La Isla Mínima". Allí la película creó sensación y finalmente se hizo con el premio al Mejor Actor para Javier Gutiérrez y a la Mejor Fotografía. Estuvimos hablando con Raúl Arévalo que nos contó algunas de las claves de la película, cómo fue trabajar con uno de los directores más aclamados del cine español y todo antes de conocer el enorme éxito de taquilla y de premios que iba a recibir la película durante los meses siguientes.
Ahora, aprovechando la carrera a los Goya rescatamos esta entrevista que esperamos que os guste.

¿Qué ha significado para Raúl Arévalo trabajar en "La Isla Mínima"?

Ha significado trabajar con Alberto Rodríguez que era el director con el que más ganas tenía de trabajar. Yo soñaba trabajar con él, pero pensaba que cuando tuviera la oportunidad sería cuando fuera más mayor porque los personajes que él normalmente escribe son mayores. No pensaba que me fuera a llegar la suerte tan pronto. Trabajar con Alberto ha sido mi gran regalo de esta película.

¿Cómo es trabajar con uno de los directores más aclamados del cine español reciente?

Te puede gustar su cine más o menos, te puede interesar más o menos, pero lo que sí es admirable que él y su equipo se conocen de toda la vida y algunos son compañeros muy fuertes, compañeros desde los seis años del colegio. Esto se nota porque a la hora de trabajar hacen un muy buen equipo. Hacen esta atmósfera y ambientación que es lo que más me gusta de la película. Hace que no deje puntada sin hilo y como actor él siempre está muy encima de las actuaciones, siempre está apretando mucho para que cuentes la historia exacta que él pretende.

En la película interpreta un policía que inicialmente resulta íntegro, con las ideas claras, aunque su camino se va desviando a lo largo de la historia. ¿Qué le pareció éste personaje al leerlo en el guión de Alberto Rodríguez?

Una de las cosas buenas que tienen los guiones de Alberto es que habla del ser humano y de las contradicciones del ser humano y que no todo en la vida es blanco o negro. Mi personaje es un tío con las ideas muy claras, en la teoría, pero luego verá que en la práctica y en momentos extremos como los que se viven en esta película, no todo es tan bonito como él creía.
En la vida vemos muchas veces lo típico "yo nunca haría no sé qué" y luego te ves haciendo cosas que luego dices: "¡madre mía la que estoy liando aquí!". Esto es lo que tiene el personaje, que lo hace más humano.

Interpreta a su primer policía en el cine, ¿contaron con la ayuda de algún asesor para meterse en el papel, sobre todo en la mentalidad de un policía de hace treinta años?

Conocimos a un policía que estaba en activo en aquella época que nos asesoró a Javier y a mí. Lo encontró Javier a través de un contacto suyo, él nos asesoraba y desmitificaba mucho el mundo del policía. Decía "yo aunque haya sido policía y haya visto cosas muy desagradables he tenido siempre un problema con la violencia", "una vez le pegué un puñetazo a un tío, lo tumbé y lo pasé muy mal". "La gente que era más como el personaje de Javi en la película y que eran policías de la brigada político social de Franco, yo rechazaba sus métodos. Pero, también es cierto que me salvaron muchas vece el pellejo de muchos momentos".

Además de este asesoramiento, ¿cómo te preparaste tu personaje? ¿Buscaste la inspiración en alguna película o serie de televisión en concreto?

Intento adaptarme mucho al director, a la forma de trabajar de los compañeros, al entorno de ese momento. Leí muchas cosas de la época y vi muchos vídeos. Vi un documental que fue muy clave que se llama "Atado y bien atado" y "No se os puede dejar solos" que es chulísimo. Son entrevistas a gente de la calle, de todo tipo de clase social, cultural y política; gente de toda España que se hace del año 77-78 al 81 que muestra lo que fue la Transición en España. Se ve que era una época rara, de confusión. Yo me basé en este documental, no en nadie en concreto. 

Interpretan en la película a dos policías que parece que tienes problemas de comunicación, dado que a veces con muy pocas diálogo el espectador debe sobreentender para de su forma de ser, de su vida. ¿No echaron en falta alguna explicación más de sus personajes? 

"La Isla Mínima", era una broma que hacíamos Javi y yo decíamos "esto es mínimo, a lo mínimo". Alberto es de una economía exagerada y decía que una película tan de género había unos códigos que había que mantener y a él no le gustaban las cosas mascadas. A mí como actor, a la hora de ensayar decía "¿no deberíamos explicar esto un poco más?". Pero, luego guste o no es claramente lo que Alberto ha querido contar. "Esto es lo que he querido contar y al que le guste bien y al que no le guste,no". 

Alberto Rodríguez es un director con fama de tener las cosas muy claras desde la escritura del guión hasta cada plano y línea de diálogo de los actores. ¿Cómo se amolda un actor a esta forma de trabajar?

Si yo alguna vez intentaba improvisar algo o meter alguna información más, él decía "no, hasta aquí". Una vez que entendí el juego me dejé llevar por Alberto, Es cierto que me gustó mucho, pero como actor al principio da inseguridad porque dices "¿esto se va a entender?". A Alberto no le interesaba tanto la relación personal de los personajes, sino que éstos fueran el vehículo para contar esta historia. 

¿Es por esto que los dos personajes protagonistas resultan tan herméticos, con más silencios que palabras?

Sería muy fácil encantarse con un personaje como el de Javi, sería muy goloso. Lo típico con otro director, coges un personaje como el de Javi y le pones que se encuentra fatal llorando en el baño, es como "premios, premios, premios". Sin embargo, no cae en eso Alberto. No le interesa ese resultado de que te luzcas, lo que quiere es contar esto y no va a contar más de tu vida y de cómo lo pasas, que la gente entienda lo que quiera.

¿Cómo prepararon los personajes junto a Alberto Rodríguez?

Primero, la suerte de que Alberto ensayamos un mes entero, que no es común en cine, sí lo es en teatro. Llegamos al rodaje y podríamos haber rodado cualquier secuencia de la película porque nos la sabíamos, la teníamos clarísima. Nos informamos mucho, trabajando mucho el personaje y dejando hasta donde Alberto quería que se viera. Siempre, tapando y tapando. Mi personaje es muy hermético, en la vida hay gente así. 

¿Ayudaba para meterse en el personaje la maravillosa ambientación de la película?

Ayuda mucho la ambientación tan maravillosa de la película que te pone en ese... Con esta fotografía, esta ambientación, ese vestuario y esa lluvia artificial, ¡cómo queda! Te ruedan, miras a un punto y dices "hostia, cómo mola". 
Por ejemplo los pájaros eran de verdad, había una segunda unidad, que se iban a pillar esas cosas.

"La Isla Mínima" es un thriller que cuenta con alguna escena de acción que no es algo común en el cine español, sobre todo debido a los presupuestos que se manejan en las producciones españolas. ¿Fueron complicadas de rodar estas secuencias?

Sí, fueron complicadas de rodar porque en aquel sitio, en "Isla Mayor" y en todas las marismas donde rodamos es un paraje árido y muy duro donde la infraestructura de un rodaje es difícil de encajar. La climatología no acompañaba nada. Estábamos rodando de noche, el equipo iba con plumas, orejeras, gorros, con guantes y nosotros en mangas de camisa con glicerina a modo de sudor, mojados haciendo que hacía calor, saliendo vaho por la boca. 

¿Fueron entonces más duras de lo que pensaban en un principio?

Sí, todo se complicaba. Las escenas de acción pensábamos que iba a ser algo muy divertido y para una carrera que nos teníamos que pegar, Javi acabó con una tendinitis en el talón y yo con sobrecarga en el cuádriceps que tuvimos que llamar a un fisio de Sevilla. Pensábamos "para dos cosas que hemos hecho nos hemos lesionado, Tom Cruise y Denzel cómo lo hacen, ¿están a tope?".

¿Y cuál fue la escena más complicada de la película en lo que a nivel físico respecta?

La escena del coche donde tenía que hacer una persecución en un terreno con una cuneta que había agua. Los coches de producción tenían una piedra que no entendía para qué era y era por si cualquier casual te caías con la piedra rompieras el cristal porque había agua.
La persecución no tenía truco, era desde dentro del coche, sin ganas de que fuer a ser super espectacular, habíamos ensayado pero a la hora de la verdad decía Alberto "si puedes darle un poco más de caña mejor". Por un lado estaba la excitación de darle más caña para que quedara bien la escena, pero por otro... Mi cara de susto tampoco había que actuar mucho ahí.

"La Isla Mínima" ha recibido una gran acogida por parte de la prensa en este Festival de San Sebastian. ¿Cree que el público no está acostumbrado a ver películas así en España? 
[La entrevista se realizó antes de su estreno en cines durante el Festival de San Sebastián, antes de el éxito que ha tenido en cines con más de un millón de espectadores]

Bueno, no creo que no esté acostumbrado a ver películas así. Normalmente cuando tienes una película no es unánime el criterio. Ninguno de nosotros nos esperábamos que por lo general las críticas y las opiniones fueran tan buenas. Tengo curiosidad en saber qué piensa el público de calle, te importa que le guste a la gente, que vaya al cine y le guste. Hasta ahora el público que la ha visto es más prensa especializada, periodistas... no sé muy bien cuando la vea mi familia o la gente qué van a opinar o cuál va a ser un poco la opinión general. 

Los thrilles en España, ¿piensas de este género es más exportables al extranjero que otros géneros más dfíciles de vender?

Pienso que está bien que se toquen todos los géneros, que se consigan hacer más y que consigamos hacer thrillers como "No habrá paz para los malvados", "Grupo 7" o "El Niño". Que sean como dices exportables y de calidad como para poder competir con otro producto de otro país. Lo que sí que creo es que no depende de que sea thriller o drama, el que escribe una película buena es buena sea de donde sea. Lo que yo sí que defiendo es la identidad del sitio de donde se hace. Es que en realidad lo que tiene "La Isla Mínima" es que puedas decir "qué buena pinta tiene, si no parece española". Pero no puede ser más española: el ambiente, la guardia civil, los del pueblo.. Si haces algo local de verdad, que es de lo que conoces al final, se transforma en universal. 

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Imagen cedida por Comimagine (Agencia de Publicidad de Málaga)

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